2011-04-06: English/Vitiello, @c, Cristian Vogel, Museo Rosenbach, Anthony Phillips

Journal d'écoute / Listening Diary 

2011-04-06

LAWRENCE ENGLISH & STEPHEN VITIELLO / Acute Inbetweens (Crónica - merci à/thanks to Dense Promotion)

Cette collaboration entre les électroniciens Lawrence English et Stephen Vitiello livre exactement la marchandise attendue, comme l’avait fait celle entre English et le groupe japonais Minamo. Acute inbetweens existe entre le drone et la musique électroacoustique. Cinq pièces lentes, douces et délicates, toutes en subtiles textures, mises en boucle et traitements numériques. La rencontre de deux grands sculpteurs sonores qui m’ont rarement déçu au fil des ans. Recommandé.

This collaboration between electronicians Lawrence English and Stephen Vitiello delivers exactly what was expected, as did the collaboration between English and Japanese band Minamo. Acute Inbetweens sits betweet drone and electroacoustic music. Five slow, quiet, delicate pieces, all made of subtle textures, loops and digital treatments. A meeting between two great sound sculptors that have very rarely disappointed me in the past. Recommended.

@C / Homem Fantasma (Crónica - merci à/thanks to Dense Promotion)

Le duo de Miguel Carvalhais et Pedro Tudela propose un long disque disponible gratuitement, dans la série “Unlimited” de Crónica. Trois pièces de 35 à 40 minutes chacune, toutes trois très poignantes, avec un feeling “en concert”. De l’excellente musique électronique ambiante expérimentale, avec des transformations de textures et de sources qui fascinent. Je préfère cet album à Music for Empty Spaces paru l’an dernier. Il est plus vivant, moins minimaliste. À ce prix là (rien!), c’est une écoute essentielle et une excellente (bien que longue) porte d’entrée dans l’univers d’@c.  [Ci-dessous: La page où vous pourrez télécharger l’album gratuitement et légalement, en format mp3 ou Apple Lossless.]

The duo of Miguel Carvalhais and Pedro Tudela has released a free album in Crónica’s “Unlimited” series. Three tracks of 35 to 40 minutes each, all three quite taking, with a live feeling. Excellent experimental ambient electronic music, with fascinating transformations of textures and sources. I prefer this album over Music for Empty Spaces released last year. This one’s livelier and less minimalistic. And at this price (nothing!), it’s an essential listen and a perfect (though long) entry point to @c’s universe.  [Below: The page where you can get this free download, legally, in mp3 or Apple Lossless format.]

@C: Homem Fantasma

CRISTIAN VOGEL / Black Swan (Sub Rosa)

Électronicien d’origine chilienne mais basé à Barcelone, Cristian Vogel a composé Black Swan (une œuvre en trois mouvements) pour le chorégraphe Gilles Jobin. Le tout fait 50 minutes et tisse un univers sonore sombre, aux facettes multiples, quelque part entre l’inquiétude que tisse Svarte Greiner et les environnements plus formels de l’art acousmatique. Peu connu hors du circuit de l’électronica expérimentale, Vogel est un nom à retenir. Black Swan est le premier titre paru dans la série “Framework” de Sub Rosa.

A Chilean-born electronician now living in Barcelona, Cristian Vogel wrote Black Swan (a work in three movements) for choreographer Gilles Jobin. 50 minutes of electroacoustic music weaving a dark multifaceted soundworld lying somewhere between the disquiet of Svarte Greiner and the more formal environments of acousmatic art. Little known outside the experimental electronica community, Vogel is definitely an artist any fan of demanding music should keep an ear on. Black Swan is the first title released in Sub Rosa’s “Framework” series.

MUSEO ROSENBACH / Zarathustra (Sony Music)

Simplement dit: un grand classique du rock progressif italien des années 70. Aussi essentiel que Darwin! De Banco del Mutuo Soccorso, Per un Amico de Premiata Forneria Marconi ou Felona e Serona de Le Orme. Es-sen-tiel. Du grand art progressif, encore vivant, palpitant et audacieux pour l’époque - et ça a bien vieilli, malgré la qualité de l’enregistrement qui limite toutes les bonnes volontés remasterisantes qui soient.  [Ci-dessous: les deux premières parties de la suite-titre.]

Simply put, this is a great classic album of 70’s prog rock Italy. As essential as Banco del Mutuo Soccorso’s Darwin!, Premiata Forneria Marconi’s Per un Amico or Le Orme’s Felona e Serona. Es-sen-tial. High progressive art, alive, breathing, still bold for 1973 - and it has aged well, despite a sound quality that limits any remastering velleities.  [Below: The first two parts of the title suite.]

ANTHONY PHILLIPS / Private Parts & Pieces III: Antiques (Voiceprint)

Une collaboration avec Enrique Berro Garcia, parue en 1982. Un disque tout en guitares acoustiques - un oasis acoustique entre deux des disques les plus “artificiels” de Phillips, soit 1984 et Invisible Men. Une splendide collection de pièces tendres, à la virtuosité subtile - plus délicate que Twelve, plus agréable à l’écoute que le très chargé Field Day.

A collaboration with Enrique Berro Garcia, released in 1982. A record of acoustic guitars - an acoustic oasis released in between two of Phillips’ most artificial-sounding records: 1984 and Invisible Men. A superb collection of tender tracks of astounding musicianship delivered with subtle virtuosity. More delicate than Twelve, and a gentler listen than the veyr loaded Field Day.

2010-03-12: David S. Ware, Ian Tordella, Gray Code, Philippe Petit, Rashomon, Steven Wilson, Yes

Journal d'écoute / Listening Diary

2010-03-12

DAVID S. WARE / Saturnian (Solo Saxophones, Volume 1) (AUM Fidelity - merci à/thanks to Improvised Communications)

Ça fait du bien d’entendre David S. Ware en forme, après une dure bataille contre la maladie. Voici un court concert solo (40 minutes) enregistré en octobe 2009 à New York. Trois pièces, chacune à un instrument différent: le saxello (un saxo ténor droit), le stritch et le ténor. Trois petites merveilles de développement mélodique élégant mais échevelé, pleines de passion et de générosité. Je suis tombé sous le charme immédiatement. “Anthe”, au ténor, voyage entre mélodisme et bruitisme sans distinction, portée par un souffle créatif qui rappelle à quel point Ware est l’une voix majeures du saxo. [Ci-dessous: Un extrait de “Anthe”.]

It’s good to hear David S. Ware in good shape after battling a serious illness. This is a short solo set (40 minutes) recorded live in New York, October 2009. Three improvisations, each on a different instrument: the saxello (a straight tenor sax), the stritch and the tenor sax. Three gems of elegant yet busy melodic developments, full of passion and generosity. I immediately fell for them. “Anthe”, on tenor sax, goes back and forth between melodicism and noise and is carried by a creative breath that reminds us of why Ware is one of today’s major sax voices. [Below: An excerpt of “Anthe.”]

http://www.aumfidelity.com/Excerpts/60/Anthe-X.mp3

IAN TORDELLA / Magnolia (Circumvention Music)

Honnêtement, j’ai peu à dire sur Magnolia. Il est passé presque inaperçu. Ian Tordella est un saxophoniste ténor et son quintette joue un jazz assez prévisible, définitivement trop “straight” pour mon goût personnel. C’est une musique élégante, pas monotone, mais peu excitante et plutôt convenue.

Honestly, I have little to say about Magnolia. It went by unnoticed. Ian Tordella is a fine tenor sax player but his quintet plays predictable jazz - definitely too straight for my taste. Classy music, not monotonous per se, but it lacks excitement and it’s been done before.

GRAY CODE / Floating Point (Circumvention Music)

Décidément meilleur que Magnolia (ci-dessus), et pas du jazz. Gray Code est un trio d’improvisation électroacoustique composé de Kevin Patton (guitare et électroniques), Butch Rovan (clarinette et électroniques) et Frederick Kennedy (percussion). La prise de son laisse à désirer sur quelques pièces (trop ambiante), mais la musique, elle, me parle: elle explore les relations sonores et humaines, n’hésite pas à se requestionner, plonge dans l’inconnu avec un sentiment d’urgence. Les transformations électroacoustiques de Patton et Rovan sont intéressantes, mais c’est surtout leur interaction qui interpelle. Un bel effort.

Now, this one is much better, and it’s not jazz. Gray Code are an electroacoustic improvisation trio consisting of Kevin Patton (guitar and electronics), Butch Rovan (clarinet and electronics) and Frederick Kennedy (percussion). Some of the tracks are poorly recorded (too ambient-sounding), but the music speaks to me. It explores sonic and human relations, isn’t afraid to question itself, dives into the unknown with a sense of urgence. Patton and Rovan’s electroacoustic manipulations are interesting, but the real draw here is their interaction. A fine effort.

PHILIPPE PETIT & FRIENDS / Silk-Screened (Trace Recordings)

Philippe Petit est toujours prêt à faire rejaillir l’intérêt de ses disques sur ses collaborateurs, mais le fait demeure qu’il est responsable de l’excellente qualité de ses albums. Ne vous laissez pas berner par le “& friends”, il s’agit bien d’un disque solo d’un des cerveaux derrière Strings of Consciousness (et de l’homme derrière l’étiquette Bip-Hop). Un peu comme le premier SoC ou son Reciprocess +/vs, Silk-Screened présente Petit aux traitements, aux bandes et aux tourne-disque, accompagné d’un groupe variable de musiciens, dont plusieurs sont accoquinés à SoC d’ailleurs. Textures granuleuses et bourdonnantes appuyant des mélodies oscillant entre l’industriel et le jazz, improvisations reconstruites en studio, périples oniriques post-Nurse with Wound - ce disque est fait pour laisser un côté du cerveau divaguer tandis que l’autre se pâme devant la maîtrise de l’artiste. Peut-être le meilleur disque auquel Petit est associé depuis le premier SoC (et peut-être seulement parce que je n’ai pas encore entendu The Iron Man). (Ci-dessous: “A Swirling Mix of Dystopia” avec Andy Diagram, entre autres.]

Philippe Petit seems always ready to deflect the appeal of his records on his collaborators, but the fact is that he is responsible for his excellent material. So don’t get fooled by that tag “& Friends”, for this is a solo album by one of the brains behind Strings of Consciousness (and the man behind the Bip-Hop label). Like the first SoC and his Reciprocess +/vs CD, Silk-Screened features Petit on treatments, field recordings and turntables, backed by a shifting cast of musicians, most of whom are related to SoC. Grainy and drony textures relyinf on melodies oscillating between Industrial and jazz, improvisations reassembled inthe studio, dreamy post-Nurse with Wound journeys - this record is made for letting one side of your brand drift out while the other one fans over the artist’s mastery. This may be Petit’s best effort since the first SoC (and that “may” is only because I have yet to hear The Iron Man). [Below: “A Swirling Mix of Dystopia” featuring Andy Diagram, among others.]

http://www.tracerecordings.com/audio/dystopia.mp3

RASHOMON / The Finishing Line (Film Music Volume 2) (Hinterzimmer - merci à/thanks to Dense Promotion)

Derrière le pseudo Rashomon se cache Matt Thompson, membre fondateur du groupe Guapo. Ce disque fait suite à The Ruined Map (Film Music Volume 1) paru en 2007 et que je n’ai pas entendu. Les quatre pièces sur ce disque (entre huit et 14 minutes) ne se veulent pas tant des bandes sonores que des tentatives d’appliquer des procédés cinématographiques à la musique, un peu comme le faisait Ennio Morricone, Toru Takemitsu ou même le groupe italien Goblin. D’ailleurs, j’entend un peu de tout cela dans The Finishing Line, disque ambiant mais ténébreux, chargé de mellotron languissant et d’orgue inquiétant. Certains passages sont très texturaux, mais dans l’essentiel c’est assez accessible et ça plaira aux amateurs de Goblin et de Morte Macabre, en particulier. Quelque part entre Goblin et Svarte Greiner?

Behind Rashomon lies Matt Thompson, founding member of Guapo. This CD follows up on 2007’s The Ruined Map (Film Music Volume 1), which I haven’t heard. The four tracks on this CD (between 8 and 14 minutes) are not actual soundtracks but attempts at applying film processes to music, aking to what Ennio Morricone, Toru Takemitsu or even Italian band Goblin used to do. In fact, I hear a little of all of them on The Finishing Line, an ambient and dark record loaded with languishing mellotron and worrying organ. Some passages are highly textural, but as a whole the album is rather accessible. It should especially appeal to fans of Goblin or Morte Macabre. Somewhere between Goblin and Svarte Greiner, perhaps?

STEVEN WILSON / NSRGNTS RMXS (Kscope Records)

Steven Wilson multiplie les projets, mais son premier album solo, Insurgentes, paru l’an dernier, marque un point de ralliement, une synthèse entre son rock mélodique (No-Man), son rock alternatif-progressif (Porcupine Tree) et sa musique expérimental (Bass Communion). Cet excellent disque a été rapidement suivi d’un album de remixes, NSRGNTS RMXS. La brochette de remixeurs est pour le moins éclectique: David Sitek, Dälek, Engineers, Pat Mastelotto (trois fois), Danse Macabre et Fear Falls Burning. Tous ou presque soulignent par leur travail le côté expérimental de l’album. La chanson “Abandoner”, en particulier, est l’objet de deux remixes très différents mais réussis. Procurez-vous d’abord l’original, évidemment, mais ne passez pas outre ces relectures.

Steven Wilson is involved in several projects, and his first solo album Insurgentes released last year offered a convincing synthesis of his melodic rock (No-Man), alt-prog rock (Porcupine Tree) and experimental music (Bass Communion). This has been quickly followed by a set of remixes entitled NSRGNTS RMXS. The line-up of remix artists is eclectic to say the least: David Sitek, Dälek, Engineers, Pat Mastelotto (three times), Danse Macabre, and Fear Falls Burning. Almost all of them are highlighting the experimental side of the album. The song “Abandoner”, in particular, is subjected to two very different and successful remixes. Get the original album first, of course, but don’t ignore these rereadings.

YES / Rock of the ‘70s (Voiceprint)

D’abord, pourquoi n’a-t-on pas inclus cette émission de 25 minutes sur le DVD The Lost Broadcasts paru récemment? Pourquoi répartir une heure de matériel de l’époque 1969-1970 de Yes sur deux DVD, outre pour soutirer plus d’argent aux fans? D’autant plus que Rock of the ‘70s est d’un intérêt... mitigé. Dans cette spéciale tournée pour la télévision belge en 1970, on voit le groupe (dans son incarnation The Yes Album) jouer et faire des pitreries (à la Help! des Beatles: sur la plage, dans un parc, dans une barque, se faisant poursuivre par une nonne, etc.) dans quatre chansons de l’album Time and a Word. Calmez-vous: je sais, vous vous dites “donc Steve Howe joue le matériel de Time and a Word!” Non. Tout est mimé au son des enregistrements originaux (avec Peter Banks à la guitare). Même que sur “Then”, Tony Kaye et Chris Squire ont échangé leurs rôles (et Squire joue clairement n’importe quoi pour la caméra). Sympathique? Ouais. Rigolo? Mouais. Satisfaisant? Que non. Au programme donc, des “vidéos” pour “Astral Traveller”, “Everydays”, “Then” et “No Opportunity Necessary, No Experience Needed”.

First of all, why wasn’t this 25-minute program included on the recently released DVD The Lost Broadcast? Why released a total one hour of footage from Yes’s 1969-1970 era over two DVD, besides sucking more money out of the fans? Especially since Rock of the ‘70s of a somewhat very liimted interest. In this half-hour special shot for the Belgian TV in 1970, we see the band (in its The Yes Album line-up) perform and kid around (Beatles’s Help!-style: on the shore, in the park, on a small boat, being chased by a nun, etc.) in four songs from Time and a Word. Now calm down. I know you’re thinking “so Steve Howe is playing material from Time and a Word!”. Well, he’s not. Everything is lip-synched to the album tracks (featuring Peter Banks on guitar). Not only that but for “Then”, Tony Kaye and Chris Squire trade off instruments, and Squire is clearly playing rubbish for the camera. Funny, yeah, Satisfying? Darn no. The program includes “music videos” for “Astral Traveller,” “Everydays,” “Then” and “No Opportunity Necessary, No Experience Needed.”

2010-02-26: M. Ostermeier, Neve, The D., Rick Wakeman, Minamo

Journal d'écoute / Listening Diary

2010-02-26

M. OSTERMEIER / Percolate (Parvo Art - merci à/thanks to Dense Promotion)

Comme à l’habitude avec l’étiquette Parvo Art, Percolate paraît sur cdr 3” en édition très limitée. C’est un joli disque de musique électronique délicate, qui s’inspire fortement du post-rock de Labradford, avec une composante presque IDM. Porte peu à conséquence, mais agréable. Il faudrait le mettre en boucle et écouter trois ou quatre fois de suite pour qu’il ait une chance de laisser une impression.

As usual with the Parvo Art label, Percolate is released in a limited-edition 3” cdr. It’s a fine record of delicate electronic music, heavily drawing from Labradford’s brand of post-rock, with a near-IDM component added. It’s a little inconsequential, but enjoyable. However, for it to make an impression, I’d have to put it on repeat play and let it go through three or four times.

NEVE / Centigrade (Parvo Art - merci à/thanks to Dense Promotion)

Meilleur que le Ostermeier, cet autre cdr 3”. Neve fait dans l’électronique ambiante, une musique douce, immersive, simple à l’horizontale mais complexe à la verticale. Centigrade propose neuf pièces en un peu plus de 20 minutes, de courts moments de suspension. Très réussi. Seul point négatif: l’album commence par une piste multimédia sensée présenter des photos. Une piste multimédia, sur un cd 3”. Mes trois ordis ont un lecteur “slot-loading” qui n’accepte pas les 3”.

This other 3” cdr is better than the Ostermeier above. Neve is into experimental ambient electronica, quiet, immersive music, simple on the horizontal though rich and complex on the vertical. Centigrade features nine short pieces for a total duration of just over 20 minutes, all short moments of suspension. Very well done. Only downpoint: the album starts with a multimedia track - a slide show, or so they say. A multimedia track on a 3” cdr. And my three computers all have slot-loading players that won’t take 3”s. Bummer.

THE D. / D.A.F. (The D - merci à/thanks to Dense Promotion)

Un vinyle très intéressant. The D., c’est Nathalie Bles, une artiste visuelle française qui s’adonne aussi à l’art sonore. Et D.A.F. (pour Donatien Alphonse François, les prénoms du marquis De Sade) s’inscrit dans un projet artistique plus large. Ce long-jeu pressé sur vinyle rouge flamboyant consiste en deux collages sonores continus, très dynamiques, avec une forte composante bruitiste sans pour autant s’y limiter. On y entend des récitatifs en français (des extraits de Sade), des échantillons de musique, des compositions électroniques possiblement originales, le tout présenté sous forme de suite musicale faite pour déstabiliser et prendre par surprise. Ça marche et c’est réussi. Je diffuserai certainement une des deux faces sur Délire actuel prochainement.

A very interesting LP. The D. is French visual artist Nathalie Bles, and D.A.F. (for Donatien Alphone François, the first names of the Marquis de Sade) is part of a larger artistic project. This LP pressed on flamboyant red vinyl consists of two side-long collages, highly dynamic, with a strong noise component without being limited to that particular aspect. There are recitations in French (Sade excerpts), music samples, possibly original compositions too, all presented as a music suite designed to destabilize and surprise. It works, and it’s successful. I’m sure I’ll be broadcasting one side of this on Délire actuel soon.

RICK WAKEMAN / Past, Present and Future (Voiceprint)

Je l’admets d’emblée: je n’ai pas écouté tout ce coffret de trois disques. Pourquoi? Trop homogène. Trois heures quinze minutes de solos de piano doux, tendres et rêveurs, c’est beaucoup trop. Comprenez-moi bien: c’est joli, c’est berceur, c’est joué avec brio par un Rick Wakeman encore en possession de ses moyens. Mais c’est plutôt mièvre et jamais je n’arriverai à distinguer ces 36 pièces les unes des autres. Wakeman dit avoir composé cette trilogie (Past, Present, Future, chaque disque porte l’un de ces titres) pour aider les gens à rêver. Soit. Entre le premier disque et le second, je n’ai vu aucune différence, ni dans le ton ni dans la forme, et je soupçonne que c’est la même chose pour le troisième. On aurait pu ramener le tout à un seul disque sans nuire à rien.

I’ll admit it upfront: I haven’t listen to all of this 3-CD set. Why? Too much of the same. Three hours fifteen minutes of quiet, sweet, dreamy piano solos, it’s just too much. Hear me out: it’s pretty and lulling and played with brio by a Rick Wakeman who can still tickle the keys like the master he once was. But it gets sickly sweek and I will never be able to tell these 36 pieces apart. Wakeman says he composed this trilogy (each disc has its own title: Past, Present, Future) to help people daydream in order to alievate their stress and pain. Fine. I don’t hear any difference in tone or format between the first and the second discs (and I suspect the third sounds just the same too). The whole thing could have been scaled down to a single disc and it wouldn’t have hurt anything.

MINAMO / Durée (12k)

Ce disque de Minamo est plus beau que Beautiful, leur précédent chez 12k, sans jeu de mots. C’est le plus beau disque de Minamo que j’aie entendu à ce jour: tendre, légèrement mélancolique, travail électronique très subtile, mélodies fragmentaires mais touchantes, superbe équilibre entre minimalisme et mélodisme, beau jeau d’ensemble, un son de groupe muri à point. Sur la scène des musiques expérimentales ambiantes ou même post-rock, ce groupe devrait être roi. Pourquoi ne l’est-il pas? [Ci-dessous: Écoutez deux pièces de l’album sur cette page.]

This Minamo CD is more beautiful than Beautiful, their previous one for 12k, no pun intended. Actually, this is the most beautiful Minamo CD I have heard yet: sweet, slightly melancholic, very subtle electronics, fragmentary yet moving melodies, splendid balance between minimalism and melodicism, nice ensemble playing, and a ripe group sound. This band should be the king of the experimental ambient or even post-rock circuits. Why isn’t it so? [Below: Listen to 2 tracks from the album on this page.]

http://www.12k.com/1058.html

2010-02-25: Roland Ramanan Tentet, Foussat/Guerineau, Zoo, Anthony Phillips

Journal d'écoute / Listening Diary

2010-02-25

ROLAND RAMANAN TENTET / London (Leo Records)

Un disque TRÈS agréable par un grand groupe dirigé par le trompettiste Roland Ramanan, qui avoue d’emblée s’être inspiré du tentet de Peter Brötzmann (dans lequel il a joué brièvement). Cela dit, si la formation du Teuton avait un son très américain, somme toute, celle de Ramanan est britannique à l’os. Ce qui n’exclut pas du joyeux brasse-camarade ici, et des passages écrits (surtout dans “Turning the Heel”), des solos enlevants, et beaucoup de “male bonding”. Avec, entre autres, Alex Ward, Ian Smith, Robert Jarvis, Tony Marsh et Marcio Mattos. Puissant, intelligent, divertissant aussi.

A VERY enjoyable record from a large group led by trumpeter Roland Ramanan, who candidly admits having drawn inspiration from Peter Brötzmann’s tentet (in which he actually played briefly). That said, if Brötzmann’s band had a resolutely American sound, Ramanan’s is British to the core. Which doesn’t rule out some boisterous brawling and a few noted-down passages (especially in “Turning the Heel”), plus spirited solos, and a lot of male bonding. With Alex Ward, Ian Smith, Robert Jarvis, Tony Marsh, and Marcio Mattos, among others. Powerful, intelligent, entertaining too.

JEAN-MARC FOUSSAT & SYLVAIN GUERINEAU / Aliquid (Leo Records)

Un disque impressionnant mettant en vedette le saxo ténor Sylvain Guérineau et l’électronicien Jean-Marc Foussat qui, ici, joue tout particulièrement du VCS3, ce synthé analogique que manie aussi Thomas Lehn. Aliquid consiste en trois improvisations de 22 à 28 minutes chacune. Et chacune offre un voyage auditif riche et varié, peuplé de créatures étranges, de paysages inédits et de moments poignants. Je suis profondément séduit par ce disque. Très belle synergie entre les deux musiciens, superbe jeu entre musicalité et bruitisme, le familier et l’éminemment étrange. Un des meilleurs disques d’impro cette année, jusqu’à présent. [CI-dessous: Un des nombreux extraits d’enregistrements disponibles gratuitements sur le site du duo.]

An impressive record featuring tenor saxman Sylvain Guérineau and electronician Jean-Marc Foussat, here playing among other things a VCS3, the analog synth also wielded by Thomas Lehn. Aliquid consists of three improvisations, 22-28 minutes in duration. Each piece offers a rich and diverse aural journey filled with strange creatures, novel landscapes, and poignant adventures. I was deeply seduced by this CD. Wonderful synergy within this duo, splendid interplay between musicality and noise, the familiar and the alien. One of the top free improv records so far this year. [Below: One of several free mp3s available on the duo’s website.]

http://aliquid.quod.free.fr/sons/Aliquid 08 04 30 - 2b.mp3

ZOO / Trilogi Peradaban (Dual Plover - merci à/thanks to Dense Promotion)

Glorieusement dément! Directement d’Indonésie, Zoo mélange l’avant-punk de The Ex, le rock-in-opposition stop-go d’Etron Fou Leloublan (ou de Ruins) et la folie pluristylistique de Mr. Bungle ou de Sebkha-Chott. Un menu chargé? Et comment! 22 courtes pièces regroupées entre trois mouvements, chacune un coup de poing dans les parties, sans pour autant souffrir d’homogénéité - ça va du punk au folk tribal. Qualité d’exécution, clarté de la vision artistique, et une excellente réévaluation de l’héritage du rock-in-opposition. Quelque part entre Melt Banana et Savage Republic! Je suis emballé par cette première écoute. Portez attention! [CI-dessous: Vidéo officielle pour la chanson “Kupu-Kupu”.]

Gloriously mad! Hailing from Indonesia, Zoo combine the avant-punk of The Ex with the stop/go rock-in-opposition of Etron Fou Leloublan (or Ruins) and the pluristylistic craziness of Mr. Bungle or Sebkha-Chott. Loaded? You bet! 22 short pieces grouped into three movements, each track a one-two punch, yet no over-homogeneity issues – the music ranges from punk to tribal folk. Quality musicianship, clear artistic vision, and an excellent reassesment of Rock-in-Opposition’s heritage. Somewhere between Melt Banana and Savage Republic! I am thrilled after one listen. Pay attention to these guys! [Below: Official music video for the song “Kupu-Kupu.”]

Kupu Kupu

Zoo_Indonesia | MySpace Music Videos

CACHE THEE ULTIMATE VAG! / Dark Sea Dream (Prophase Music) [???]

Dans leur dernier envoi, les gens de Prophase Music avaient inclus un cdr d’un album à paraître en 2010, sans ajouter d’info outre ce qui est griffonné sur le disque: “Prophase 2010 Pre-Advance”, puis “Cache / Thee Ultimate VAG! / Dark Sea Dream”. Qui? Quoi? Je ne sais pas, et Google s’avère inutile. Ce que je peux vous dire, par contre, c’est que ce disque contient de l’excellent rock psychédélique expérimental, dans la veine d’Acid Mothers Temple, avec une composante sludge/doom qui fait penser à Nadja. Un mélange puissant et très intéressant. Le disque est long mais varié. Dès qu’il sort officiellement je vous dirai de quoi il retourne plus précisément.

In their last package, the fine folks at Prophase Music included an advance copy on cdr of an album to be released in 2010, without any info about it except what was scribbled on the disc: “Prophase 2010 Pre-Advance”, then “Cache / Thee Ultimate VAG! / Dark Sea Dream.” Who? What? I don’t know, and Google is no help. However, what I can tell you is that this disc features some excellent experimental psychedelic rock in the vein of Acid Mothers Temple, with a sludge/doom component reminiscent of Nadja. A powerful and very interesting blend. It’s a long record but a diverse record. I’ll give you more details as soon as it comes out officially.

ANTHONY PHILLIPS / Private Parts & Pieces VIII: New England (Blueprint)

Après ces deux derniers disques, j’avais besoin de quelque chose de calme pour le boulot du jour. J’ai donc ressorti ce superbe album d’Anthony Phillips. Paru en 1993, cet opus de la série Private Parts & Pieces avait surpris à l’époque. L’homme déçoit rarement, mais il lui arrive parfois de tomber dans la facilité. Or, New England le présente à son meilleur, dans une séquence de pièces variées, mélodiques, savamment arrangées et jouées avec brio. De l’excellente musique instrumentale, sans prétention, qui s’écoute comme on boit de l’eau, pour se rafraîchir sans se casser la tête. Certainement dans le top 5 de Phillips et, à mon avis, le meilleur volume de Private Parts & Pieces.

After those last two records, I needed something calm to wrap up the day’s work. Enters this stunning album by Anthony Phillips. Released in 1993, this volume in the Private Parts & Pieces series had made some waves back then. Phillips rarely disappoints, but he can take the easy route once in a while. New England, however, features him at the top of his game, in a set of varied, melodic pieces brilliantly arranged and performed. Excellent instrumental music, simple and honest - you listen to this the way you drink cool water: to quench your thirst, period. Surely among Phillips’ top 5 and, in my book, the best release in the Private Parts & Pieces series.

2010-02-22: Geoff Gersh, Gallio/Rupp, Free Tallinn Trio, Alex Harvey, Panic Room, Spin 1ne 2wo

Journal d'écoute / Listening Diary

2010-02-22

GEOFF GERSH / These Predicaments (Deep Listening Institute)

Un très beau disque de musique ambiante expérimentale faite de “drones” et de lentes mélodies délicates. Ce n’est pas le genre de disque qu’on attendrait de l’étiquette Deep Listening, qui fait généralement dans l’improvisation libre et l’électronique dans un contexte plus académique. Néanmoins, l’approche d’écoute profonde de Pauline Oliveros s’applique tout autant aux riches paysages sonores peints par Geoff Gersh. D’autant plus que les cinq pièces de l’album ont été conçues pour accompagner une exposition des œuvres du peintre David Stoupakis (qui signe la pochette, évidemment). Subtil, élgant, un tantinet inquiétant. Une belle découverte.

A beautiful record of experimental ambient music made of drones and delicate slow melodies. Not the kind of CD you expect from the Deep Listening label and its usual fare of free improvisation and more academic-sounding electronic music. Still, Pauline Oliveros’ deep listening philosophy sure applies to the rich soundscapes painted by Geoff Gersh, especially since they were designed to accompany a solo exhibition by painter David Stoupakis (responsible for the cover artwork too). Subtle, elegant, a bit disquieting. A fine discovery.

CHRISTOPH GALLIO & OLAF RUPP / Fasane Hula Punk (Rapid Moment)

Une session d’improvisation enregistrée en studio sur deux jours (avril-mai 2009) et mettant en vedette le saxophoniste Christoph Gallio (Day & Taxi, Mösiöblö) et le guitariste Olaf Rupp. Voilà deux improvisateurs que j’aime bien, tous deux avec leurs idiosyncrasies, mais je ne peux pas dire que Fasane Hula Punk m’ait marqué. La série de courts échanges que propose ce disque sont vifs et créatifs, mais ils n’arrivent pas à sortir de l’ordinaire d’un discours somme toute confrontationnel. C’est intéressant, mais je ne me suis pas senti investi émotivement dans ces échanges. Détachement de ma part? Absence d’étincelle entre les protagonistes? Je ne saurais dire après une seule écoute. Disons que ma première réaction est plutôt froide.

A free improvisation session recorded in studio on two separate days (April/May 2009) and featuring saxman Christoph Gallio (Day & Taxi, Mösiöblö) and guitarist Olaf Rupp. Here’s two improvisers I’m fond of, both with their idiosyncrasies, but I can’t say Fasane Hula Punk has made a good impression on me. The CD proposes a vivid and creative set of short exchanges, but they stick to the usual kind of confrontational narrative. Interesting, but I don’t feel emotionally involved. Is it deatchment on my part, or a lack of sparks between the protagonists? I won’t know after a single listen, won’t I? Suffice to say that my first reaction is somewhat cold.

FREE TALLINN TRIO / A Tale (Leo Records)

Une ravissante surprise! Voici un groupe estonien qui fait une première apparition sur l’étiquette Leo Records. Il s’agit d’un trio formé de la chanteuse Anne-Liis Poll, du pianiste Anto Pett et du guitariste électrique Jaak Sooäär. Free Tallinn Trio approche l’improvisation libre par la bande lyrique: Poll possède une solide voix de cantatrice et sait jouer entre le lyrisme reconnaissable et les techniques étendues. Elle fait penser à Lauren Newton ou Viviane Houle, bien que son approche soit moins théâtrale que la première, moins déconstruite que la seconde. Les deux instrumentistes jouent aussi sur la dichotomie classique/contemporain, sans la forcer. Un excellent disque d’improvisation libre, fort en interaction entre les musiciens, dont le plaisir de jouer devant un public allemand (en extérieur, au festival de Moers) est évident. Recommandé.

A splendid surprise! A group from Estonia, here making its first appearance on Leo Records. This is a free improvisatiomn trio consisting of singr Anne-Liis Poll, pianist Anto Pett, and electric guitarist Jaak Sooäär. Free Tallinn Trio approaches free improvisation from a lyrical side: Poll posesses a strong opera singer’s voice and she can toy with recognizable lyricism and extendes techniques. She makes me think of Lauren Newton and Viviane Houle, although her approach his less theatrical than the first one and less deconstructed than the second. The two instrumentalists also play on the dichotomy between classical and contemporary, although they never force the point. An excellent free improv CD, loaded with brilliant interactions and clearly displaying the trio’s enjoyment at performing in front of a German audience (outdoors, at the Moers festival). Recommended.

ALEX HARVEY / …Presents The Loch Ness Monster (Voiceprint)

Hmm. Faisons court: En 1977, Alex Harvey (chanteur du Sensational Alex Harvey Band) s’est éloigné de son groupe pour s’investir assouvir une passion de jeunesse à propos du monstre du Loch Ness. Il est allé interviewer des témoins oculaires de la bête sur place et faire des recherches dans les archives locales. Résultat: Alex Harvey Presents The Loch Ness Monster, un long-jeu qui s’écoute comme un documentaire radiophonique sur Nessie. Parce que c’est ce que c’est, point. Sauf une chansonnette en son honneur, à la toute fin. Ce disque a peu circulé à l’époque et vient d’être réédité par Voiceprint. C’est vieilli, mais j’imagine que les amateurs de curiosités et de mystères vieux genre y trouveront une certaine valeur. Pas moi.

Hmm. I’ll keep it short: In 1977, singer Alex Harvey (of the Sensational Alex Harvey Band) took some time off from band duties to delve into the arcane mystery surrounding the Loch Ness Monster, a pet interest of his. He interviewed eye witnesses and researched local archives. The project yielded Alex Harvey Presents The Loch Ness Monster, an LP that sounds like a radio documentary on Nessie. That’s it. Oh, one acoustic monster-themed song is tacked at the very end of it. The LP received very limited circulation back in 1977 and has been recently reissued by Voiceprint. It’s dated, but I guess it’s a period piece for fans of curios and old-school mysteries - a dying breed in the age of the Internet.

PANIC ROOM / Satellite (Firefly Music - merci à/thanks to Voiceprint)

De la chanson rock préemballée pour la radio. Jolie voix féminine, pas remarquable, et l’écriture musicale est extrêmement convenue. C’est fait professionnellement, mais d’un ordinaire ennuyant. Après six chansons, je passe à autre chose. J’ai mieux à faire.

Pre-packaged radio-ready pop-rock. Nice female vocals, not remarkable though, and the songwriting is extremely pedestrian. It all sounds very professional, but average beyond boring. I kicked it out of the CD player after six songs. I have better things to do.

SPIN 1NE 2WO / Spin 1ne 2wo (Misplaced Records/Voiceprint)

Un genre de supergroupe qui, comme c’est bien souvent le cas, finit par sonner comme une bande de gars qui tuent le temps en studio tout en espérant avoir mieux à faire. Spin 1ne 2wo a brièvement réuni en studio, vers 1993, le chanteur Paul Carrack (Mike + The Mechanics), le claviériste Rupert Hine (Thinkman, réalisateur de plein d’albums pop), le bassiste Tony Levin (King Crimson, Peter Gabriel), le guitariste Phil Palmer et le batteur Steve Ferrone. Qui reprennent des classiques du rock, de Hendrix à Led Zeppelin, en passant par The Who, Traffic et Cream. Carrack avait encore une très belle voix en 1993. Pour le reste, tout est ordinaire, y compris la performance sans feu de Levin. “White Room” est sympathique mais “Who Are You” fait pitié. Au final, aucune de ces onze reprises n’offre du neuf ou du définitif. Réédité par Voiceprint dans la collection Misplaced dévouée au catalogue de Rupert Hine.

Some kind of supergroup and, like is often the case with supergroups, it ends up sounding like a group of guys killing time while hpping they had something better to do. Spin 1ne 2wo briefly brought together in a studio, circa 1993, singer Paul Carrack (Mike + The Mechanics), keyboardist Rupert Hine (Thinkman, mastermind behind tons of pop albums), bassist Tony Levin (King Crimson, Peter Gabriel), guitarist Phil Palmer and drummer Steve Ferrone. Covering classic rock tracks from the likes of Hendrix and Led Zeppelin, The Who, Traffic, and Cream. Carrack still have a gorgeous voice in 1993. For the rest, it’s all unremarkable, including Tony Levin’s lacklustre performance. “White Room” is enjoyable, but “Who Are You” is downright pitiful. In the end, none of these 11 covers has something new or definitive to offer. Reissued by Voiceprint on their Rupert Hine-centric Misplaced Records imprint.

2010-02-19: Masashi Harada, Masloboev/Masloboeva, Anthony Phillips, The Long Hello

Journal d'écoute / Listening Diary

2010-02-19

MASASHI HARADA TRIO / Breat, Gesture, Abstract Opera (Leo Records)

En 2007, Masashi Harada m’avait demandé de rédiger les notes de livret pour deux enregistrements. Le premier est Pinerskol, un disque en duo avec Joe Maneri (chroniqué le 2010-01-08). Le second est celui-ci, un trio avec James Coleman au theremin, Glynis Lomon au violoncelle et Harada à la batterie et à la voix. Trois ans plus tard, ce disque tient très bien la route. Autant le duo avec Maneri est profond, introspectif, chargé d’émotions complexes, autant celui-ci est vif, fou et expansif. On y trouve des nuances, ce n’est pas un free-for-all constant, mais on y lâche son fou. Harada se lance dans des chants atavistiques, les échanges entre theremin et violoncelle sont virulents, ça bouge beaucoup. Mais l’écoute est là, guidant ces improvisations avec beaucoup d’assurance. Un beau disque à l’instrumentation inusité. Et Coleman réussit à étendre la palette sonore plutôt mince de son instrument.

Back in 2007, Masashi Haradi commissioned from me liner notes for two recordings. One was Pinerskol, a session with Joe Maneri (reviewed on 2010-01-08). The second one was this CD, a trio with James Coleman on theremin, Glynis Lomon on cello, and Harada on drums and vocals. Three years down the road, this album holds very well. While the duo with Maneri was deep, introspective, heavy with complex emotions, this one’s vivid, crazy, and outgoing. Of course there’s nuances and dynamics, it’s not a constant free-for-all, but it cavorts a-plenty. Harada launches into atavistic chants, the exchanges between theremin and cello are heated, there’s a lot going on. Still, listening is a major skill by everyone involved, and that’s what gives these improvisations their high level of assurance. A fine record featuring an unusual instrumentation. And Coleman manages to expand the somewhat limited sonics of the theremin.

EVGENY MASLOBOEV & ANASTASIA MASLOBOEVA / Russian Folksongs in the Key of Sadness (Leo Records)

Ce second disque du duo père-fille fait suite à Russian Folksongs in the Key of Rhythm. Tous deux sont des beaux albums originaux, dans le genre inclassable, mais ma préférence va plutôt clairement à celui-ci. Le multi-instrumentaliste Evgeny Masloboev et sa fille Anastasia sont Sibériens. Sur disque, ils s’inspirent des musiques traditionnelles de là-bas pour s’inventer un folklore fait de percussions (essentiellement) et de chant. Superbe chant d’ailleurs. On détecte parfois une touche de musique d’avant-garde, mais voici un cas où la frontière entre tradition et innovation se brouille complètement. Celle entre improvisation et musique du monde aussi, d’ailleurs. Qu’en reste-il? De la bonne musique, qui charme et transporte. Peut-on espérer ce genre de catégorie chez le disquaire?

This second CD by this father-daughter duo follows up on Russian Folksongs in the Key of Rhythm. Both are beautiful original albums, the unclassifiable kind, but if I had to pick one I’d go with …Sadness. Multi-instrumentalist Evgeny Masloboev and his daughter Anastasia are from Siberia. On record, they use the traditional music of their area as a springboard for their self-brewed form of folk music made from (mostly) percussion and singing. Splendid singing. There’s an occasional touch of the avant-garde in there, but this is a case where the line between tradition and innovation is fuzzy at best, and so is the one between improvisation and so-called world music. So what is it? It’s good music that charms and carries you elsewhere. Now, can we hope to see that kind of genre sign posted at the local record shop anytime soon?

ANTHONY PHILLIPS / Pathways & Promenades: Missing Links Volume IV (Voicepint)

Quatrième volume dans la série d’albums consacrés à la “library music” d’Anthony Phillips, ces musiques instrumentales d’ambiance vendues aux radiotélédiffuseurs et producteurs. Pathways & Promenades offre une très jolie collection de courtes pièces sans conséquences. Belles, légères, soigneusement arrangées. Jamais ennuyantes, mais pas conçues pour vous accrocher non plus. Elles vivent, simplement, entre les deux haut-parleurs, sans se soucier que vou y portiez attention ou pas. C’est ce que j’aime de la musique de Phillips, cette absence totale de prétention. Certaines sont un peu mièvres, mais ça s’écoute très bien, aussi bien que les albums de Private Parts & Pieces.

The fourth installment in the series of albums devoted to Anthony Phillips’ library music (instrumental, mood-setting, incidental music first sold to broadcasters and producers). Pathways & Promenades is a very pretty collection of short inconsequential pieces. Pretty, light, carefully arranged. Never boring though not designed to grab you. They are, simply, living between your loudspeakers, not caring whether you pay attention to them or not. That’s what I like about Phillips’ music, that total pack of pretension. Some tracks are little cheesy, but the whole is so easy to listen too, as much (and well) as the Private Parts & Pieces series.

THE LONG HELLO / Volume 2 (Voiceprint)

Voiceprint vient de rééditer ce disque paru en 1980 (1981?). The Long Hello était un projet à géométrie variable des “autres” membres de Van der Graaf Generator (c’est-à-dire sauf Peter Hammill). Volume 2 met en vedette le bassiste-guitariste Nic Potter (aussi aux claviers) et le batteur Guy Evans. J’avais ce disque sur vinyle et j’avoue que je n’y portais pas attention. À le réécouter aujourd’hui, je le découvre moins mauvais que je le croyais. Il a un son particulier - et pas nécessairement “début 80”. Évidemment, ni Potter ni Evans ne sont de grands compositeurs. Leurs musiques ont tendance à être simples voire simplistes. Mais il y a de bons grooves, quelques bonnes mélodies aussi, de bonnes lignes de saxo signées David Jackson. “Surfing with Isabelle”, “Carnival” et “Hidden Drive” sont de bonnes pièces qui, tout en affichant une certaine parenté avec VDGG, n’en sont pas moins très différentes. Le premier Long Hello est meilleur, mais celui-ci a un certain charme, mais s’il a pris de l’âge.

Voiceprint has just reissued this record from 1980 (or 1981?). The Long Hello was a project of variable size by the “other” members of Van der Graaf Generator (i.e. minus Peter Hammill). Volume 2 features bassist/guitarist Nic Potter (also on keyboards) and drummer Guy Evans. I had this album on LP and I admit I never paid much attention to it. Listening again today, I’m surprised: it’s not as bad as I thought it was. It has its own sound - and it’s not necesarily an early ‘80s sound. Of course, neither Potter nor Evans is a great composer. But there’s good grooves, a few nice melodies too, some fine sax lines by David Jackson. “Surfing with Isabelle,” “Carnival” and “Hidden Drive” are good tracks that have a certain relation with VDGG even though they are actually very different. The first Long Hello LP is better, but this one has its own charm, although it has aged.

2010-02-11: Abrams/Mitchell, Crothers/Bisio, Janina Angel Bath, Invisible Opera Company of Tibet, The Fiery Furnaces

Journal d'écoute / Listening Diary

2010-02-11

MUHAL RICHARD ABRAMS & ROSCOE MITCHELL / Spectrum (Mutable Music)

Spectrum n’est pas tout à fait ce à quoi vous vous attendez en lisant l’intitulé. Ce disque se décompose en trois temps: d’abord un duo de 12 minutes entre ces deux grands du jazz actuel américain. Improvisation ou composition? Pas clair, mais je penche pour la première option. Ensuite, une composition de 17 minutes de Roscoe Mitchell sur un poème de Joseph Jarman, “Non-Cognitive Aspects of the City”, pour baryton (Thomas Buckner) et orchestre (le Janáček Philarmonic dirigé par Petr Kotik). Enfin, une composition de Muhal Richard Abrams de 17 minutes, “Mergertone”, pour orchestre (le même). Le duo est tout bonnement superbe. La composition de Mitchell est solide, quoi qu’elle sous-utilise les capacités de Buckner (un chanteur d’opéra aux techniques TRÈS étendues). Celle d’Abrams est très touffue au point de me paraître inutilement encombrée. Après une écoute, je suis ambivalant.

Spectrum is not quite you might expect simply from the title line. This CD is broken down into three parts: first a 12-minute duo between these two American free jazz giants. Improvised or composed? Not clear, though I’d vote for the first option. Then, a 17-minute composition by Roscoe Mitchell on a poem by Joseph Harman, “Non-Cognitive Aspects of the City,” for baritone voice and orchestra (the Janáček Philarmonic conducted by Petr Kotik). Finally, a 17-minute composition, “Mergertone,” by Muhal Richard Abrams for orchestra (the same one). The duet is simplt splendid. Mitchell’s composition is a strong one, although it doesn’t make full use of Buckner’s talent (he’s an opera singer with VERY extended techniques). Abrams’ piece is very busy and, to my ears, unnecessarily cluttered. After one listen, I’m uncertain.

CONNIE CROTHERS & MICHAEL BISIO / Session at 475 Kent (Mutable Music)

La simplicité même: une session d’improvisation entre amis, enregistrée dans l’intimité du loft de la pianiste Connie Crothers. Quatre improvisations tirées d’une session beaucoup plus longue, la crème de cette rencontre avec le bassiste Michael Bisio. J’aime beaucoup Bisio: il a un son léger et bourdonnant, jazzé mais pas ultra-rythmique ou appuyé comme celui de William Parker ou de Joe Fonda. C’est le match parfait avec le style volubile de Crothers, très ancré dans la tradition jazz même s’il s’en éloigne beaucoup - en fait, j’entends beaucoup d’Oliver Jones dans son jeu, même si Jones n’a JAMAIS joué aussi “free”.

Simplicity itself: an improvisation session between two friends, recorded in the intimacy of pianist Connie Crothers’ loft. Four improvisations out of a much longer session, the cream of this meeting with bassist Michael Bisio. I really like Bisio: his tone is light and drony, jazzy but far away from the ultra-rhythmical style of William Parker or Joe Fonda. And he’s a perfect match for Crothers’ talkative playing rooted in the jazz tradition yet straying far away from it – truth is, I hear a lot of Oliver Jones in her playing, even though Jones NEVER played that free.

JANINA ANGEL BATH / Gypsy Woman (Prophase Music)

Sur ce disque, Janina Angel Bath est essentiellement seule à chanter et à jouer de nombreux instruments (claviers, guitares, percussions diverses, tamboura, bansuri, flûtes, etc.). Elle propose 12 courtes pièces méditatives et intimistes, inspirées à la fois par la musique indienne et la folk psychédélique. Très jolie voix alto, arrangements planants, le tout s’écoute sans effort, sans réelle surprise non plus, mais ça transporte agréablement et sans flancher en route. Un beau voyage.

On this record, Janina Angel Bath is basically on her own, singing and playing several instruments (keyboards, guitars, various percussion, tamboura, bansuri, flutes, etc.). She offers 12 short meditative pieces inspired by both Indian music and psychedelic folk. Very nice alto voice, trippy arrangements, no real surprises, but the music carries you nicely and flawlessly. A fine journey.

INVISIBLE OPERA COMPANY OF TIBET (TROPICAL VERSION BRAZIL) / Glissando Spirit Live: Britannia Cafe - 18^th August 1994 (Voiceprint Brazil)

Lorsqu’il m’a fait parvenir quelques disques de son groupe Violeta de Outono, le guitariste Fabio Golfetti a ajouté au lot ce disque en concert, dont je ne connais pas la date de parution. Cet Invisible Opera Company est en quelque sorte un sous-projet de Violeta de Outono. Comme les autres IOC du monde, Invisible Opera Company of Tibet (Tropical Version Brazil) est un groupe qui s’est formé pour accompagner Daevid Allen (de Gong) le temps d’une tournée et qui a poursuivi par la suite. Le groupe utilise le répertoire d’Allen (Gong et solo) comme des blocs ou des tremplins pour leurs propres compositions. Aucun classique n’est réellement joué mais, à la manière du maître, on reconnaît ici et là des thèmes et des manières de faire. Et c’est de l’excellent space rock Gongesque, format trio. TRÈS agréable.

When he sent me a few records by his band Violeta de Outono, guitarist Fabio Golfetti included this live album, the release year of which I have no idea. This Invisible Opera Company could almost be defined as a VdO side project. Like other IOCs around the world, Invisible Opera Company of Tibet (Tropical Version Brazil) is a group originally formed to back Gong leader Daevid Allen on a tour. The band has carried on, and it uses Allen’s repertoire (with Gong and solo) like building blocks or springboards for their own pieces. No classic track is actually performed, but you’ll recognize a theme here and a sound there, just like the master himself keeps doing to this day. And it’s some excellent Gongesque space rock to boot. HIGHLY enjoyable.

THE FIERY FURNACES / I’m Going Away (Thrill Jockey)

Surprise et étonnement: le plus récent disque des Fiery Furnaces est... pop! Très pop! Trop pop... C’est amusant, c’est plein de jolies mélodies rebondissantes, mais où est passée la complexité? La folie dans les arrangements? L’éclatement surréaliste? Attention, I’m Going Away n’est pas mauvais, mais il sonne tellement plus... comme bien d’autres groupes indie pop! Je suis déçu.

Surprised and stunned: this, the latest album by The Fiery Furnaces, is… pop! Quite pop! Too pop… It’s fun and full of bouncy melodies, where is the complexity? Where are the crazy arrangements? And the surrealistic partying? Now, I’m not saying I’m Going Away is a bad record, but it sounds so much more…like any other indie pop band! I’m disappointed.

2010-02-08: Peter Hammill, Yannis Kyriakides, Slow Six, The Electric Asylum 4, Psych Bites 1

Journal d'écoute / Listening Diary

2010-02-08

PETER HAMMILL / In the Passionskirche: Berlin MCMXCII (Voiceprint)

J’ai regardé le programme principal de ce DVD vendredi, mais j’attendais de regarder aussi l’entrevue incluse en extra pour en parler. Ce vidéo-concert de 1992 circule depuis longtemps, mais il est réédité ici sur DVD (officiellement) pour la première fois. Le format: Il s’agit d’un concert tourné pour la télévision, un montage de 90 minutes de chansons (présentées dans le désordre, en une alternance inhabituelle piano, guitare, piano, guitare) entrecoupées d’extraits d’entrevue de l’époque. Certains effets vidéos (début et fin des chansons) sont pénibles, mais non intrusifs. Pour le reste, c’est plutôt bien filmé. Le concert: Berlin, 11 avril 1992, en pleine tournée solo pour le disque Fireships, la même tournée dont est tiré le disque double en concert Typical. Et, en bonne partie, les chansons présentées ici se retrouvent (dans des versions différentes) sur Typical, sauf une, et c’est là tout l’intérêt de la chose: “Usher’s Suite”, un pot-pourri de 20 minutes de chansons tirées de l’opéra The Fall of the House of Usher (version fabuleuse de “The Lady Sleeps”), seul enregistrement en concert officiel de cette suite - et seul extrait d’Usher officiellement disponible en ce moment (l’album lui-même est épuisé). Autrement, trois chansons de Fireships et de merveilleux classiques, dont “Patient”, “Traintime”, “My Room” et “Modern” (dont il manque le premier couplet, allez savoir pourquoi). Et Hammill qui se donne tout entier, dans chaque chanson, C’est le seul document vidéo officiel de Hammill solo disponible sur le marché en ce moment. Et il fait bien l’affaire. Voiceprint a ajouté une entrevue récente de 12 minutes à propos de ce concert et de l’acte de se produire en solo - intéressant. Notez que Voiceprint publie aussi une version CD de ce concert (sans les extraits d’entrevue, j’espère) qui, lui, pourrait s’avérer redondant par rapport à Typical (outre “Usher’s Suite”), quoi que, avec Hammill, chaque performance est unique, même au cours de la même tournée. [Ci-dessous: “Given Time”, extrait officiel du DVD.]

I watched this DVD’s main program last Friday night, but I wanted to watch the bonus interview too before I reported on it. This concert video from 1992 has been in circulation for a long time, but this is the first time it is made officially available on DVD. The format: This is a shot-for-TV concert, a 90-minute montage of songs (the set list has been shifted around to form an unusual guitar-piano-guitar-piano sequence) interspersed with bits of an interview. Some of the video effects (at the start and end of the songs) are terrible, but at least they are non-intrusive. The rest is rather well shot. The concert: Berlin, 11 April 1992, during Hammill’s solo tour supporting the Fireships album, the same tour that yielded the 2-CD live album Typical. And the songs presented here are also featured on Typical (from different nights), except for one, and that’s where the interest of this set resides: “Usher’s Suite,” a 20-minute medley of songs from Hammill’s opera The Fall of the House of Usher. This is the only officially-available live recording of material from that album, and the only material from that album PERIOD currently in print (the album itself has been unavailable for a while). Otherwise, there is three songs from Fireships and sure-fire classics such as “Patient,” “Traintime,” “My Room,” and “Modern” (missing the first verse, go figure why). And Hammill is giving everything he’s got, inhabiting every song like only he knows how. This is the only official live full-length video of Hammill in solo mode available on the market at this time, and as such it does a very fine job, so don’t pass it up. Voiceprint has added as an extra a new 12-minute interview where Hammill discusses this particular concert and the act of performing solo - interesting. Note that Voiceprint is also releasing a CD version of this concert (minus the interview bits, I hope) - that may feel redundant if you already have Typical (except for “Usher’s Suite”), although, with Hammill, each performance is unique, even on the same tour. [Below: “Given Time”, official DVD trailer.]

YANNIS KYRIAKIDES / Antichamber (Unsounds)

Je suis avec attention la carrière du compositeur chypriote Yannis Kyriakides depuis la parution d’A ConSPIracy Cantata en 1999. Il a une manière bien à lui de mélanger électroniques et instrumentistes acoustiques. Antichamber est un disque double réunissant diverses compositions de moyenne durée (12 à 23 minutes - les autres disques de Kyriakides présentent des œuvres beaucoup plus longues). Le titre se lit de deux façons: il s’agit effectivement d’une antichambre à l’œuvre de Kyriakides, un premier contact. Mais il s’agit aussi d’anti-musique de chambre, de par l’inclusion constante d’instruments électriques (tourne-disque, iPod, ordinateur) ou de bandes. La musique de Kyriakides est conceptuelle, texturale, parfois ambiante, toujours intelligente. “PNEuma” pour basson, piano et ordinateur (qui traite les sons mécaniques des deux instruments [clés, pédales] pour les faire sonner comme un respirateur artificiel) et “Telegraphic” (où des clés télégraphiques servent d’interrupteurs pour mixer les parties de six instruments acoustiques, formant ainsi des mélodies carrées qui évoque autant l’ancien que le moderne) sont mes deux pièces préférées après une première écoute. Beaucoup de variété entre ces dix pièces, mais une identité forte se dégage.

I have been following the career of Cyprus-born composer Tannis Kyriakides ever since the release of A ConSPIracy Cantata in 1999. He has his own unique way of bringing together electronics and acoustic instruments in a contemporary classical framework. Antichamber is a double album grouping various mid-length compositions (12 to 23 minutes - in comparison, his other records usually feature much longer works). The title can be interpreted two ways: this actually works as an antichamber, a first contact on Kyriakides’s oeuvre, But it is also anti-chamber music, since it includes electrical instruments (turntables, iPods, computers) and/or tapes. Kyriakides’s musicis conceptual, textural, occasionaly ambient, and consistently intelligent. ‘PNEuma” for bassoon, piano and compuer (treating the mechanical sounds of the instruments [keys, pedals] to make them sound like a respirator) and “Telegraphic” (where telegraph keys act as switches to mix the inputs of six acoustic instruments, creating a squared melody with both antiquated and modern overtones) are my favorite works after one run-through. Lots of diversity within these 10 works, but out of it emanates a strong composer identity.

SLOW SIX / Nor’easter (New Albion Records)

Je croyais que Tomorrow Becomes You (frais paru) faisait suite à Private Times in Public Places, mais j’avais tort. Entre les deux se glisse Nor’easter, paru sur l’étiquette de musique contemporaine New Albion. Il s’agit d’un très beau disque, à la facture plus acoustique que Private..., moins post-rock que Tomorrow..., délicat, ambiant, un peu froid (comme les œuvres de John Luther Adams ou Arvo Pärt peuvent être froides, et ce n’est pas un défaut!). Je dois encore retourner à Tomorrow…, mais celui-ci me plaît plus au premier abord. Plus distinctif?

I thought Tomorrow Becomes You (freshly released) was the follow-up to Private Times in Public Places, but I was wrong. Nor’easter came out on the contemporary music label New Albion in 2007. This is a beautiful record, more acoutic-sounding than Private…, less post-rock than Tomorrow…, delicate, ambient, a little cold (like the works of John Luther Adams and Arvo Pärt can be cold, which ain’t a bad thing, mind you!). I must go back to Tomorrow… for another listen, but I’m fonder of Nor’easter on first listen. More distinctive, perhaps?

ARTISTES VARIÉS-VARIOUS ARTISTS / The Electric Asylum, Volume 4: Rock hard British Freakrock (Past & Present - merci à/thanks to Forced Exposure)

Quatrième volume de cette intéressante série. Ce volume est encore plus hard rock que les précédents, décidemment moins psychédélique. La sélection est plus tardive aussi, regroupant des singles britanniques obscurs parus entre 1970 et 1975 - on trouve des traces de Moog ici et là. À noter, parmi les plus vieilles pièces, “Rest Comfortably” de Quiet World, groupe de Steve Hackett avant Genesis (et dont une pièce figure aussi sur la compilation Maximum Prog chroniquée le 2010-02-05). “Warlord” de Rog and Pip, “Lame” d’Incredible Hog, “You Turned Your Back and Walked Away” (étrange intro vocale) de Henry Turtle et “My Linda” de Sunshine Kid sont solides, mais cette collection est somme toute plus ordinaire.

Volume 4 in this interesting series. This volume is harder rocking than the previous ones, and the psychedelic angle ha receded. The selection is geared somewhat later too, culling obscure British singles released between 1970 and 1975 - there are traces of Moog synths here and there. Worth of note, among the older tracks, is “Rest Comfortably” by Quiet World, the band Steve Hackett was in before joining Genesis (incidentally, another track of their is included on another recently-released Past & Present compilation, Maximum Prog, reviewed on 2010-02-05). Rog and Pip’s “Warlord”, Incredible Hog’s “Lame”, “You Turned Your Back and Walked Away” by Henry Turtle (with its strange vocal intro) and Sunshine Kid’s “My Linda” are all strong songs, but this collection is rather unremarkable overall.

ARTISTES VARIÉS-VARIOUS ARTISTS / Psych Bites, Volume 1: Australian Acid Freakrock 1967-1974 (Past & Present - merci à/thanks to Forced Exposure)

Wow! Voilà une compilation de psychédélique qui a du chien! Est-ce parce que c’est le premier volume d’une nouvelle série? Peut-être bien. Toujours est-il que cette sélection de 20 “singles” d’acid rock australien du tournant des années 70 offre son pesant d’or en découvertes. Des grooves solides, qui assimilent assez bien les références habituelles (Led Zep, Deep Purple, Cream) et y ajoutent une dose de guitare acidulée bien sentie. “Live Like a Man” de Barrie McCaskell and Levi Smith Clefs est un must, tout comme les deux chansons de Flake, “Antelope” de Rashamra et “Willy the Weeper” d’Isherwood. Freaky hard rock. Recommandé!

Wow! Now there’s a psychedelic rock comp with balls! Is it because it is the first volume in a new series? Might be. Still, this selection of 20 Australian acid rock singles from the turn of the ‘70s holds its fair share of discoveries. Strong grooves, good integration of the usual references (Led Zep, Deep Purple, Cream), plus a hefty dose of acid guitar. Barrie McCaskell and Levi Smith Clefs’ “Live Like a Man” is a must, along with the two tracks by Flake, “Antelope” by Rashamra, and Isherwood’s “Willy the Weeper.” Freaky hard rock. Recommended!