2010-02-08: Peter Hammill, Yannis Kyriakides, Slow Six, The Electric Asylum 4, Psych Bites 1

Journal d'écoute / Listening Diary

2010-02-08

PETER HAMMILL / In the Passionskirche: Berlin MCMXCII (Voiceprint)

J’ai regardé le programme principal de ce DVD vendredi, mais j’attendais de regarder aussi l’entrevue incluse en extra pour en parler. Ce vidéo-concert de 1992 circule depuis longtemps, mais il est réédité ici sur DVD (officiellement) pour la première fois. Le format: Il s’agit d’un concert tourné pour la télévision, un montage de 90 minutes de chansons (présentées dans le désordre, en une alternance inhabituelle piano, guitare, piano, guitare) entrecoupées d’extraits d’entrevue de l’époque. Certains effets vidéos (début et fin des chansons) sont pénibles, mais non intrusifs. Pour le reste, c’est plutôt bien filmé. Le concert: Berlin, 11 avril 1992, en pleine tournée solo pour le disque Fireships, la même tournée dont est tiré le disque double en concert Typical. Et, en bonne partie, les chansons présentées ici se retrouvent (dans des versions différentes) sur Typical, sauf une, et c’est là tout l’intérêt de la chose: “Usher’s Suite”, un pot-pourri de 20 minutes de chansons tirées de l’opéra The Fall of the House of Usher (version fabuleuse de “The Lady Sleeps”), seul enregistrement en concert officiel de cette suite - et seul extrait d’Usher officiellement disponible en ce moment (l’album lui-même est épuisé). Autrement, trois chansons de Fireships et de merveilleux classiques, dont “Patient”, “Traintime”, “My Room” et “Modern” (dont il manque le premier couplet, allez savoir pourquoi). Et Hammill qui se donne tout entier, dans chaque chanson, C’est le seul document vidéo officiel de Hammill solo disponible sur le marché en ce moment. Et il fait bien l’affaire. Voiceprint a ajouté une entrevue récente de 12 minutes à propos de ce concert et de l’acte de se produire en solo - intéressant. Notez que Voiceprint publie aussi une version CD de ce concert (sans les extraits d’entrevue, j’espère) qui, lui, pourrait s’avérer redondant par rapport à Typical (outre “Usher’s Suite”), quoi que, avec Hammill, chaque performance est unique, même au cours de la même tournée. [Ci-dessous: “Given Time”, extrait officiel du DVD.]

I watched this DVD’s main program last Friday night, but I wanted to watch the bonus interview too before I reported on it. This concert video from 1992 has been in circulation for a long time, but this is the first time it is made officially available on DVD. The format: This is a shot-for-TV concert, a 90-minute montage of songs (the set list has been shifted around to form an unusual guitar-piano-guitar-piano sequence) interspersed with bits of an interview. Some of the video effects (at the start and end of the songs) are terrible, but at least they are non-intrusive. The rest is rather well shot. The concert: Berlin, 11 April 1992, during Hammill’s solo tour supporting the Fireships album, the same tour that yielded the 2-CD live album Typical. And the songs presented here are also featured on Typical (from different nights), except for one, and that’s where the interest of this set resides: “Usher’s Suite,” a 20-minute medley of songs from Hammill’s opera The Fall of the House of Usher. This is the only officially-available live recording of material from that album, and the only material from that album PERIOD currently in print (the album itself has been unavailable for a while). Otherwise, there is three songs from Fireships and sure-fire classics such as “Patient,” “Traintime,” “My Room,” and “Modern” (missing the first verse, go figure why). And Hammill is giving everything he’s got, inhabiting every song like only he knows how. This is the only official live full-length video of Hammill in solo mode available on the market at this time, and as such it does a very fine job, so don’t pass it up. Voiceprint has added as an extra a new 12-minute interview where Hammill discusses this particular concert and the act of performing solo - interesting. Note that Voiceprint is also releasing a CD version of this concert (minus the interview bits, I hope) - that may feel redundant if you already have Typical (except for “Usher’s Suite”), although, with Hammill, each performance is unique, even on the same tour. [Below: “Given Time”, official DVD trailer.]

YANNIS KYRIAKIDES / Antichamber (Unsounds)

Je suis avec attention la carrière du compositeur chypriote Yannis Kyriakides depuis la parution d’A ConSPIracy Cantata en 1999. Il a une manière bien à lui de mélanger électroniques et instrumentistes acoustiques. Antichamber est un disque double réunissant diverses compositions de moyenne durée (12 à 23 minutes - les autres disques de Kyriakides présentent des œuvres beaucoup plus longues). Le titre se lit de deux façons: il s’agit effectivement d’une antichambre à l’œuvre de Kyriakides, un premier contact. Mais il s’agit aussi d’anti-musique de chambre, de par l’inclusion constante d’instruments électriques (tourne-disque, iPod, ordinateur) ou de bandes. La musique de Kyriakides est conceptuelle, texturale, parfois ambiante, toujours intelligente. “PNEuma” pour basson, piano et ordinateur (qui traite les sons mécaniques des deux instruments [clés, pédales] pour les faire sonner comme un respirateur artificiel) et “Telegraphic” (où des clés télégraphiques servent d’interrupteurs pour mixer les parties de six instruments acoustiques, formant ainsi des mélodies carrées qui évoque autant l’ancien que le moderne) sont mes deux pièces préférées après une première écoute. Beaucoup de variété entre ces dix pièces, mais une identité forte se dégage.

I have been following the career of Cyprus-born composer Tannis Kyriakides ever since the release of A ConSPIracy Cantata in 1999. He has his own unique way of bringing together electronics and acoustic instruments in a contemporary classical framework. Antichamber is a double album grouping various mid-length compositions (12 to 23 minutes - in comparison, his other records usually feature much longer works). The title can be interpreted two ways: this actually works as an antichamber, a first contact on Kyriakides’s oeuvre, But it is also anti-chamber music, since it includes electrical instruments (turntables, iPods, computers) and/or tapes. Kyriakides’s musicis conceptual, textural, occasionaly ambient, and consistently intelligent. ‘PNEuma” for bassoon, piano and compuer (treating the mechanical sounds of the instruments [keys, pedals] to make them sound like a respirator) and “Telegraphic” (where telegraph keys act as switches to mix the inputs of six acoustic instruments, creating a squared melody with both antiquated and modern overtones) are my favorite works after one run-through. Lots of diversity within these 10 works, but out of it emanates a strong composer identity.

SLOW SIX / Nor’easter (New Albion Records)

Je croyais que Tomorrow Becomes You (frais paru) faisait suite à Private Times in Public Places, mais j’avais tort. Entre les deux se glisse Nor’easter, paru sur l’étiquette de musique contemporaine New Albion. Il s’agit d’un très beau disque, à la facture plus acoustique que Private..., moins post-rock que Tomorrow..., délicat, ambiant, un peu froid (comme les œuvres de John Luther Adams ou Arvo Pärt peuvent être froides, et ce n’est pas un défaut!). Je dois encore retourner à Tomorrow…, mais celui-ci me plaît plus au premier abord. Plus distinctif?

I thought Tomorrow Becomes You (freshly released) was the follow-up to Private Times in Public Places, but I was wrong. Nor’easter came out on the contemporary music label New Albion in 2007. This is a beautiful record, more acoutic-sounding than Private…, less post-rock than Tomorrow…, delicate, ambient, a little cold (like the works of John Luther Adams and Arvo Pärt can be cold, which ain’t a bad thing, mind you!). I must go back to Tomorrow… for another listen, but I’m fonder of Nor’easter on first listen. More distinctive, perhaps?

ARTISTES VARIÉS-VARIOUS ARTISTS / The Electric Asylum, Volume 4: Rock hard British Freakrock (Past & Present - merci à/thanks to Forced Exposure)

Quatrième volume de cette intéressante série. Ce volume est encore plus hard rock que les précédents, décidemment moins psychédélique. La sélection est plus tardive aussi, regroupant des singles britanniques obscurs parus entre 1970 et 1975 - on trouve des traces de Moog ici et là. À noter, parmi les plus vieilles pièces, “Rest Comfortably” de Quiet World, groupe de Steve Hackett avant Genesis (et dont une pièce figure aussi sur la compilation Maximum Prog chroniquée le 2010-02-05). “Warlord” de Rog and Pip, “Lame” d’Incredible Hog, “You Turned Your Back and Walked Away” (étrange intro vocale) de Henry Turtle et “My Linda” de Sunshine Kid sont solides, mais cette collection est somme toute plus ordinaire.

Volume 4 in this interesting series. This volume is harder rocking than the previous ones, and the psychedelic angle ha receded. The selection is geared somewhat later too, culling obscure British singles released between 1970 and 1975 - there are traces of Moog synths here and there. Worth of note, among the older tracks, is “Rest Comfortably” by Quiet World, the band Steve Hackett was in before joining Genesis (incidentally, another track of their is included on another recently-released Past & Present compilation, Maximum Prog, reviewed on 2010-02-05). Rog and Pip’s “Warlord”, Incredible Hog’s “Lame”, “You Turned Your Back and Walked Away” by Henry Turtle (with its strange vocal intro) and Sunshine Kid’s “My Linda” are all strong songs, but this collection is rather unremarkable overall.

ARTISTES VARIÉS-VARIOUS ARTISTS / Psych Bites, Volume 1: Australian Acid Freakrock 1967-1974 (Past & Present - merci à/thanks to Forced Exposure)

Wow! Voilà une compilation de psychédélique qui a du chien! Est-ce parce que c’est le premier volume d’une nouvelle série? Peut-être bien. Toujours est-il que cette sélection de 20 “singles” d’acid rock australien du tournant des années 70 offre son pesant d’or en découvertes. Des grooves solides, qui assimilent assez bien les références habituelles (Led Zep, Deep Purple, Cream) et y ajoutent une dose de guitare acidulée bien sentie. “Live Like a Man” de Barrie McCaskell and Levi Smith Clefs est un must, tout comme les deux chansons de Flake, “Antelope” de Rashamra et “Willy the Weeper” d’Isherwood. Freaky hard rock. Recommandé!

Wow! Now there’s a psychedelic rock comp with balls! Is it because it is the first volume in a new series? Might be. Still, this selection of 20 Australian acid rock singles from the turn of the ‘70s holds its fair share of discoveries. Strong grooves, good integration of the usual references (Led Zep, Deep Purple, Cream), plus a hefty dose of acid guitar. Barrie McCaskell and Levi Smith Clefs’ “Live Like a Man” is a must, along with the two tracks by Flake, “Antelope” by Rashamra, and Isherwood’s “Willy the Weeper.” Freaky hard rock. Recommended!

2010-02-05: R.I.S.S., Contreband, El Hombre Astral, The Daedalus Spirit Orchestra, Maximum Prog, Waterloon

Journal d'écoute / Listening Diary

2010-02-05

R.I.S.S. / Color& Style (Unit Records)

Quelle est cette mode soudaine de reprendre des chansons de Radiohead en mode jazz? En plus de l’Amnesiac Quartet hier (qui ne faisait que ça), voici maintenant deux ensembles suisses qui glissent des reprises de Radiohead dans leur répertoire! R.I.S.S. est un quatuor (le nom correspond aux initiales des membres). Au programme, trois originales, plus des reprises de Radiohead, Nirvana, Björk, plus “House of the Rising Sun”. Talentueux, mais un peu mièvre - la ligne de saxo dans “High & Dry” fait muzak au possible. Ironiquement, la meilleure pièce du disque est une originale du pianiste Stefan Rusconi, “Gallieni”, qui place une belle mélodie bien sentie hors des sentiers battus.

What’s up with this suddent trend of covering Radiohead songs jazz-style? After Amnesiac Quartet (reviewed yesterday), here we have two Swiss jazz ensembles who slip in Radiohead songs into their repertoire! R.I.S.S. is a quartet (their name corresponds to the members’ initials). On the menu: three originals, plus covers of Radiohead, Nirvana, and Björk, plus “House of the Rising Sun.” Talented, but a bit cheesy - the sax line in “High & Dry” is too muzak-sounding for its own good. Ironically, the best track on this CD is an original by pianist Stefan Rusconi, “Gallieni” - it has a nice, heartfelt melody that eschews clichés.

CONTREBAND / Contreband (Unit Records)

Un trio dirigé par le pianiste électrique Colin Vallon, dont le jeu au Fender Rhodes est à faire rêver. Un autre trio de jazz suisse, donc. Et encore des reprises de Radiohead et de Nirvana (dont “In Bloom”, aussi interprétée par R.I.S.S.), à travers quelques originales de Vallon. L’ambiance est feutrée, délicate, moderne dans ses harmonies mais très vieux club de jazz par l’ambiance. Les compos de Vallon m’enchantent, beaucoup plus que les reprises. D’ailleurs, la lecture de “Paranoid Android” manque franchement de panache, trop dépouillée, il ne s’y passe pas grand chose.

A trio led by electric pianist Colin Vallon, whose Fender Rhodes playing is divine. So it’s another Swiss jazz trio, and once again, they cover some Radiohead and Nirvana (“In Bloom” was also featured on the R.I.S.S. disc), interspersed with Vallon originals. It’s velvety, delicate, modern chord-wise, but old jazz club-like ambience-wise. Vallon’s compositions are a thrill, much more so than the covers. In fact, their take on “Paranoid Android” is lacklustre, too stripped down, and there isn’t much happening.

EL HOMBRE ASTRAL / Tierra (Musea Parallèle)

Un groupe de prog métal espagnol. En fait de prog métal, c’est relativement léger (ce qui me convient très bien). Bon chanteur, des mélodies accrocheuses, de bons musiciens. Pas une copie carbone des plus grands noms du genre. Certains textes sont ridicules “Me Hablan Los Culos”? Come on... Je ne suis pas assez fan du son pesant du prog métal pour revenir à ce disque à l’avenir, mais j’ai passé un bon moment.

A prog metal band from Spain. Actually, from a prog metal point of view, Tierra is rather light (which suits me fine). Good singer, catchy melodies, strong musicianship. And these guys are not a carbon copy of one of the big names in the field. Some lyrics are downright stupid (“Me Hablan Los Culos”? Come on...) I’m not enough of a fan of prog metal’s heaviness to come back to this CD in the future, but I did enjoy listening to it.

2e écoute/2^nd listen: THE DAEDALUS SPIRIT ORCHESTRA / Ampulla Magnifying (ind.)

J’aime beaucoup. Et, chose indétectée à la première écoute, j’entends une solide influence d’Echolyn, ce qui a l’heur de me plaire. Et la flûte allège beaucoup le son du groupe qui, autrement, tendrait vers le pesant. Beau jeu de nuances, arrangements variés. Il se passe beaucoup de choses dans ce prog, mais c’est très bien organisé, méticuleux. Bravo.

I really like this one. And – it eluded me on first listen – I hear a serious Echolyn influence, which can only rub me the good way. And the flute lightens up what would have been a heavy sound otherwise. Nice dynamics, varied arrangements. There’s a lot happening in this prog rock, but it’s well organized and tidy. Bravo.

ARTISTES VARIÉS-VARIOUS ARTISTS / Maximum Prog (Past & Present - merci à/thanks to Forced Exposure)

Le sous-titre de cette compilation: “16 rare gems from the golden age of British progressive rock”. Le mot clé: rare. Vous risquez peu de reconnaître quelqu’un sur ce disque (outre Quiet World, dans lequel jouait Steve Hackett avant de se joindre à Genesis). Par contre, vous y ferez des découvertes. J’ai été très impressionné par la qualité des chansons incluses. La plupart de ces groupes ont sombré dans l’oubli après un seul long-jeu, mais il y avait du talent: Aardvark, Second Hand, Brainchild, Titus Groan, Czar et Goliath ont tous des chansons solides et complexes. Le mot “progerssif” n’est pas utilisé à tort. Évidemment, pas de longues suites (on parle ici essentiellement de “singles”), mais il s’agit bien de rock progressif, plus pop dans certains cas, plus hard rock ailleurs, symphonique même (dans le cas de Don Shinn, un organiste qui a inspiré Keith Emerson dans sa performance sur scène). Recommandé aux amateurs de prog.

The subtitle of this compilation says: 16 rare gems from the golden age of British progressive rock. The key word here is “rare”. You’re unlikely to recognize the artists featured (except maybe Quiet World, the band Steve Hackett played in before joining Genesis). However, discoveries await. I am quite impressed with the quality of the material herein. Most of these bands have fallen into oblivion after only one LP, but many had talent: Aardvark, Second Hand, Brainchild, Titus Groan, Czar, and Goliath all have strong, complex songs on this comp. And the word “progressive” is not false advertisement. Okay, no epic tracks here (the focus is on singles), but this is progressive rock alright, some leaning more toward pop, some more toward hard rock, and a couple of tracks are downright symphonic (Don Shinn, the organ player that inspired Keith Emerson to develop his circus-like live act). Recommended to prog fans.

WATERLOO / First Battle (Guerssen - merci à/thanks to Forced Exposure)

Un groupe belge qui a publié un seul long-jeu, en 1970 (maintenant réédité par Guerssen). Il s’agit d’un très bon disque de rock progressif bluesé, avec une solide parenté avec le Jethro Tull des débuts, jusqu’au chanteur Dirk Bogaert qui joue de la flûte à la Rahsaan Roland Kirk. Des chansons courtes pour la plupart, un peu abrasives, beaux arrangements. C’est vif et excitant, j’aime beaucoup. La réédition ajoute six chansons enregistrées après ce premier disque, et elles sont encore meilleures (et mieux enregistrées). Si vous aimez le rock progressif d’inspiration bluesée (Jethro Tull, Blodwyn Pig et le reste), First Battle vous intéressera sûrement. Pas un essentiel, ne serait-ce que parce qu’il est très obscur, mais il s’agit d’un cas où l’histoire et le public ont manqué la coche. [Ci-dessous: un extrait de l’album, “Guy in the Wrong Neighbourhood”, trouvé sur le site de Guerssen.]

Waterloo is a Belgian band who released only one LP, in 1970 (now reissued by Guerssen). It’s a very good record of bluesy progressive rock, with a strong filiation to early Jethro Tull - down to singer Dirk Bogaert also playing flute in a breathy, Rahsaan Roland Kirk style. Mostly short, slightly abrasive songs, with pretty arrangements. Vivid and exciting, I definitely like. And the reissue adds six titles recorded after the LP, and they’re even better (and better recorded). If you like blues-tinged prog rock (Jethro Tull, Blodwyn Pig and the likes), First Battle is a sure thing. Not a must-have, if only because it’s so obscure, but this is a case where rock history and audiences have missed the boat. [Below: A track from the album, “Guy in the Wrong Neighbourhood”, foundon Guerssen’s site.]

http://www.guerssen.com/fotos//mostres/guy_in_the_wrong_neighborhood.mp3

2010-02-03/04: Cache 2007+2008, Flat122, Amnesiac Quartet, Kawabata/Michishita, Kohoutek, Yahowha 13

Journal d'écoute / Listening Diary

2010-02-03

ARTISTES VARIÉS-VARIOUS ARTISTS / Cache 2007 + Cache 2008 (Productions électro Productions)

Chaque année, la Communauté électroacoustique canadienne (CEC) organise un concours pour les jeunes artistes sonores en émergence, Jeu de temps / Time’s Play. Les œuvres sélectionnées sont ensuites mises sur disque. J’ai récemment reçu les cuvées 2007 et 2008 de Cache, ladite série de disques. J’aime ces compilations, on y fait toujours des découvertes parmi ces noms pour la plupart inconnus (sur la cuvée 2007, je reconnais ceux d’Olivier Girouard et de James Duhamel; sur celle de 2008, Thierry Gauthier, mais uniquement parce qu’il figure sur d’autres cuvées antérieures). Tout n’est pas phénoménal ou particulièrement original (dans bien des cas, on est à deux pieds dans l’électroacoustique académique), mais il y a des perles. Comme “MIMIK” de Duhamel et “Nuit noire, nuit grise” de Dominic Thibault, ou encore “Catacombes” de Jean-François Blouin (malgré l’influence pernicieuse de Gilles Gobeil). Ces disques sont vendus à petit prix et on peut écouter toutes les œuvres sur le site de la CEC, ici pour Cache 2007 et là pour Cache 2008.

Every year, the Canadian Electroacoustic Community (CEC) holds a competition for emerging sound artists called Jeu de temps / Time’s Play. Works selected are culled on a CD (among other benefits). I recently received the 2007 and 2008 editions of Cache, said series of CDs. I like these compilations, there’s always gems to be found among those little-known names (out of 2007 crop, I recognize only Olivier Girouard and James Duhamel; from Cache 2008, only Thierry Gauthier, and that’s because he’s been featured on previous installments). It’s not all great or particularly original music (in many cases, we’re knee deep into academic electroacoustics), but gems there are. Like Duhamel’s “MIMIK” and Dominic Thibault’s “Nuit noire, nuit grise”, or even Jean-François Blouin’s “Catacombes” (despite the obvious influence of Gilles Gobeil). These CDs sell for cheap, and you can listen to all tracks on the CEC website here for Cache 2007 and there for Cache 2008.

Arghh! Le travail m’assaille de toutes parts! Fini l’écoute pour aujourd’hui.

Arghh! Work assails me from all directions at once! No more listening today!

2010-02-04

FLAT122 / Kagerou (Musea / Poseidon)

Un trio japonais de jazz-fusion. Leur disque précédent, sans être désagréable, ne m’avais pas fait une grande impression. Celui-ci, en concert, est plus vivant, mais ça demeure, à mon avis, un fusion prévisible et convenu, même s’il est joué par des musiciens très talentueux. Avec le pianiste Takao Kawasaki et le guitariste Satoshi Hirata.

Japanese jazz-fusion trio. Their previous record wasn’t bad, but it didn’t leave a mark on me. This one is a live recording, and indeed more lively, though it remains to my ears predictable fusion. The musicianship is pretty nice though. Featuring pianist Takao Kawasaki and guitarist Satoshi Hirata.

AMNESIAC QUARTET / Tribute to Radiohead (Great Winds/Musea)

Un quatuor de jazz-rock progressif (Sébastien Paindestre au clavier, Joachim Florent à la contrebasse, Fabrice Theuillon au saxo, Antoine Paganotti à la batterie) qui reprend des chansons de Radiohead. Drôle d’idée? Définitivement. Et ça marche? Oui. Sérieusement, oui. Mais vous pourriez être tout à fait ignorant de l’œuvre de Radiohead et ça marcherait tout aussi bien. Amnesiac Quartet a retenu cinq chansons qu’ils déconstruisent, réassignant les parties ajoutant de longues intros, développant les rythmiques - bref, “I Might Be Wrong” se retrouve à faire 12 minutes, 14 dans le cas de “Everything in its right place”. Une voix féminine non créditée (Himiko Paganoti?) vient parfois nous rappeler, sans parole, qu’une chanson pop se cache là-dessous. Dans les faits, Tribute to Radiohead est de l’excellent rock progressif moderne, avec une forte tendance fusion et une touche de RIO. Nuancé, touchant parfois, impressionnant souvent. J’aime… par-devers Radiohead. [Ci-dessous: une reprise de Radiohead en concert, également jouée sur le disque.]

A progressive jazz-rock quartet (Sébastien Paindestre on keys, Joachim Florent on doublebass, Fabrice Theuillon on sax, Antoine Paganotti on drums), playing Radiohead covers. Strange idea? Absolutely. Does it work out? Yep. I’m serious, it does. But you could know nothing about Radiohead’s oeuvre and it would still work out great. Amnesiac Quartet selected five songs and deconstructed them, reassigning parts, adding long intros, developing rhythms out – “I Might Be Wrong” ends up lasting 12 minutes, 14 for “Everything in Its Right Place.” An uncredited female singer (Himiko Paganoti?) occasionally steps in to remind us, wordlessly, that there’s a pop song lurking inside somewhere. Tribute to Radiohead is excellent modern progressive rock with marked fusion leanings and a touch of RIO. Moody, occasionally moving, often impressive. I like, Radiohead notwithstanding. [Below: A Radiohead cover performed live (also performed on the CD).]

Et maintenant, un après-midi tout en psychédélose vinylistique, gracieuseté de Prophase Music!

And now, for an afternoon of vynilified psychedelia, thanks to the fine folks at Prophase Music!

KAWABATA MAKOTO & MICHISHITA SHINSUKE / Maru Mankaku Shikaku [Circle Triangle Square] (Prophase Music)

Troisième collaboration entre les gourous guitaristes d’Acid Mothers Temple et de LSD March, respectivement. Contrairement aux deux premiers disques, Maru Mankaku Shikaku [“Cercle Triangle Carré”, le titre est en fait un symbole graphique] n’est pas à base de guitare électrique. Il y a une bonne douzaine de guitares et luths de toutes nationalités sur ce disque, plus des percussions de main (gongs, bols). L’album consiste en deux longues improvisations bourdonnantes, planantes, méditatives à souhait. Très réussi dans son genre, et particulièrement recommandé aux amateurs du premier Inui de Kawabata. En plus, Prophase Music a sorti ce disque sur un superbe vinyle coloré (vert émeraude éclaboussé de blanc). [Ci-dessus: une photo du vinyle et de la pochette en carton épais.]

Number three for this collaboration between the guitar gurus from Acid Mothers Temple and LSD March (respectively). Unlike the first two albums, Maru Mankaku Shikaku [“Circle Triangle Square” - the title is actually a graphic symbol] is not electric guitar-based. There’s a baker’s dozen guitars and lutes of various origins in there, plus percussions like gongs and bowls. The album consists of two side-long droning, spacy, meditative improvisations. Very good, heady stuff, warmly recommended to those who enjoyed Kawabata’s first Inui album. AND, Prophase Music has released this one on splendid multi-colored vinyl (emerald green with white splotches). [Ci-dessus: a picture of the actual vinyl and heavy gatefold sleeve.]

KOHOUTEK / Lossless Loss (Prophase Music)

Kohoutek est un groupe d’improvisation lysergique, le genre qui plane sans se commettre, jusqu’à ce que la batterie se déclare à mi-chemin et que le tout décolle. Lossless Loss est une pièce continue de 44 minutes, longue à partir, lente à conclure, mais inspirée. C’est Jackie-O Motherfucker métissé d’Emeralds. Solide. Paru sur vinyle également (un beau modèle creamsicle: blanc et orange). Et une superbe pochette (trouvez la grenouille!).

Kohoutek is a lysergic improv band, that kind of jam that trips away uncommittedly until the drums kick in halfway through and everything lifts off. Lossless Loss is a continuous 44-minute improvisation that’s slow to start, long to conclude, but it’s definitely inspired. Jackie-O Motherfucker crossed with Emeralds. Solid stuff. Also released on vinyl (a nice creamsicle model - milky white and vivid orange). And great cover artwork (spot the frog!).

YAHOWHA 13 / Sonic Portation (Prophase Music)

Croyez-le ou non, mais voici le groupe qui accompagnait Father Yod, de retour après un silence de 33 ans! Et ma foi, ces vieux routiers (Octavius, Djin et Sunflower) se débrouillent très bien encore. Un rock psychédélique guitare/basse/batterie improvisé, un peu croche, avec des moments orientaux (“Raga Nova”) et des jams solides, sans jamais devenir bruyants. Sympathique et plutôt accessible, même si c’est très trippy. Deux éditions: CD et vinyle (très joli, encore une fois; je suis impressioné par la qualité des vinyles de Prophase Music à titre de bonbons pour les yeux).

Believe it or not, but this is the band that used to play with Father Yod, now back 33 years laters! And slap me silly but these old-timers (Octavius, Djin, and Sunflower they’re called) can still pull it off. Guitar/bass/drums psychedelic rock, improvised, slightly askew, with oriential moments (“Raga Nova”) and strong jams that never quite become noisy. Fun and rather accessible, but still very trippy. Available on CD or vinyl (gorgeous again; I’m impressed by the eye-candy quality of Prophase Music’s LPs).

Délire actuel, 2010-02-02

DÉLIRE ACTUEL

Édition du 2 février 2010
Show aired on 2 February 2010

DESCRIPTION
DESCRIPTION

Drones, blues, improvisations: Presqu'un parcours libre, une courbe d'écoute qui mène rapidement du post-rock au drone, puis vers le blues actuel, et enfin vers l'improvisation libre.
Drones, Blues, Improvisations: Almost a freestyle journey, a listening curve that will take you quickly from post-rock to drone, then on to avant-blues, and on to free improvisation.

TEHO TEARDO / Plans (4:35) - Voyage au bout de la nuit (Japan Apart)
*RICHARD SKELTON / Noon Hill Wood (8:26) - Landings (Type)

**DUNCAN Ó CEALLAIGH / 139 (9:44) - Psalms (Parvoart Recordings)
*OREN AMBARCHI / The Strouhal Number (7:05) - Intermission 2000-2008 (Touch)

DARIN GRAY & LOREN CONNORS / Part 5 (7:47) - The Lost Mariner (Family Vineyard)
SUSAN ALCORN & CAROLINE KRAABEL / Sad Ebb (7:01) - Giving Out (Mass Producers)

ANNIE LEWANDOWSKI & CAROLINE KRAABEL / Playing with Twigs (9:40) - In the Garden City (Mass Producers)
JOE MANERI & MASASHI HARADA / Threads Melted (3:47) + Point Contact (5:18) - Pinerskol (Leo Records)

RHODRI DAVIES, S. RIVES, E. RODRIGUES, G. RODRIGUES & C. SANTOS / Twrf Neus Ciglau (extrait/excerpt: 6:44) - Twrf Neus Ciglau (Creative Sources)
GROSSE ABFAHRT / CA Mirror (12:30) - Vanity (Emanem)

*CIRCULASIONE TOTALE ORCHESTRA / Yellow Bass & Silver Cornet II [Part 2] (13:10) - Bandwidth (Rune Grammofon)



Merci à/Thanks to:
*Forced Exposure
**Dense Promotion


COMPLÉMENTS
SUPPLEMENTS

CIRCULASIONE TOTALE ORCHESTRA
En concert (1er de 5 vidéos).
Live (1st of 5 vids).

Délire musical, 2010-02-02

DÉLIRE MUSICAL

Édition du 2 février 2010
Broadcast Date: 2 février 2010

LISTE DE DIFFUSION
PLAYLIST

Thème/Theme: *MARTIN REV / Laudamus - Stigmata (Blast First Petite)

BALMORHEA / Bowsprit (5:17) - Constellations (Western Vinyl)
CALIFONE / 1928 (4:30) - All My Friends Are Funeral Singers (Dead Oceans)
FULTON READ / Synchronize (4:59) - Synchronize (ind.)

CHANCE:RISIKO / Beating a Dead Horse (4:05) - Sleep Talking (altrOck)
LOST WORLD BAND / Sound Source (3:58) - Sound Source (Musea)
SLOCHE / J'un oeil (4:47) - J'un oeil (ProgQuébec)

VIOLETA DE OUTONO / Aqui e Agora (4:44) - Em Todo Parte (Voiceprint Brazil)
GONG / The Pot Head Pixies (3:03) - Flying Teapot (Charly Records)

HOLDSWORTH PASQUA HASLIP WACKERMAN / BLues for Tony (extrait: 6:00) - Blues for Tony (Moonjune)


merci à/thanks to:
*Forced Exposure
***Dense Promotion


COMPLÉMENTS
SUPPLEMENTS

FULTON READ
Voici une chanson du disque précédent, interprétée en concert. N'oubliez pas de télécharger gratuitement le mini-album Synchronize.
Here's a song from the previous album, performed live. Don't forget to download the new EP Synchronize for free.


LOST WORLD BAND
Un autre extrait de l'album Sound Source, en concert.
Another track from the Sound Source CD, here live.

2010-02-02: Send + Receive, Fulton Read

Journal d'écoute / Listening Diary

2010-02-02

ARTISTES VARIÉS-VARIOUS ARTISTS / Send + Receive: 10 Years of Sound (send + receive)

AVERTISSEMENT: Voici un commentaire préliminaire, alors que je suis LOIN d’avoir terminé l’écoute de cet album. Mais le terminer va prendre du temps, alors j’en parle tout de suite un peu. Le festival de musique expérimentale Send + Receive de Winnipeg vient de publier un coffret de deux DVD pour célébrer son 10e anniversaire. Ce coffret n’y va pas de main morte. Un DVD présente un documentaire de 83 minutes sur le festival (je ne l’ai pas encore visionné). L’autre DVD propose PLUS DE 11 HEURES de prestations musicales puisées au fil de l’histoire du festival. Elles sont présentées en fichiers WAV sur un DVD format données (data DVD). AU menu: Lee Ranaldo & Dean Roberts (très intéressant), Martin Tétreault (une impro très abstraite et bruitiste, sans vinyles), Oval, Tomas Jirku (un bon set de dub minimaliste), Tim Hecker, Taylor Deupree, Jason Kahn, i8u, Aki Onda, Oren Ambarchi, et j’en passe plusieurs. Quelques prestations sont très courtes (une chanson de David Grubbs, 4 minutes), d’autres sont des “sets” complets de 45 minutes. Beaucoup, beaucoup de viande, et de la bonne en plus. Présentation dans un coffret DVD, avec un épais livret qui, malheureusement, ne contient que les bios d’artistes qu’on trouve partout sur Internet.

WARNING: This is a preliminary assessment. I am FAR from having listened to all of this album. And since getting there will take time, I want to write something about it now. The Winnipeg experimental music festival Send + Receive has just released this 2-DVD set to commemorate its 10^th anniversary. A hefty set it is. One DVD contains a 83-minute documentary about the festival (I have yet to watch it). The other DVD culls OVER 11 HOURS of live musical performances from throughout the festival’s history. These are presented as WAV files on a data DVD. On the menu: Lee Ranaldo & Dean Roberts (quite a fine set), Martin Tétreault (a very noisy abstract improv, no vinyls at all), Oval, Tomas Jirku (a good minimal dub set), Tim Hecker, Taylor Deupree, Jason Kahn, i8u, Aki Onda, Oren Ambarchi, and many more. Some performances are very short (David Grubbs: one song, four minutes), others are complete 45-minute sets. Lots and lots of meat - tasty meat - around this particular bone. Presented in a DVD case with a thick booklet, though sadly, said booklet contains only the same old artist bio blurbs you can find all over the net.

FULTON READ / Synchronize (ind.)

Il s’agit d’un EP, le troisième de ce groupe texan (ils ont aussi un long-jeu) de powerpop. Le terme ne rend pas justice à la musique de Fulton Read, une pop intelligente mais amusante, appuyée par une grande musicalité, beaucoup de subtilités dans les coulisses (le jeu de basse, entre autres), et des mélodies entraînantes. L’essentiel de mon écoute hebdomadaire se déroule dans des régions musicales que d’aucuns qualifieraient de bizarres, mais j’ai encore un faible pour la chanson bien tournée, du moment qu’elle ne succombe pas aux clichés aux diktats du marché. Fulton Read remplissent toutes ces conditions: ils me font penser à Big Ass Truck de Toronto. C’est-à-dire qu’il y a pop indie (la prévisible, la complaisante) et pop indie (l’audacieuse, l’excitante). Synchronize? Dans le deuxième groupe, sans aucun doute. Mettez-y aussi les autres disques du groupe, tous très bons, quoique ce mini-album de trois titres les coiffe. Maintenant, êtes-vous prêt pour la VRAIE BONNE NOUVELLE? Synchronize est disponible gratuitement, dans le cadre d’une grosse campagne médiatique alternative. N’hésitez pas à télécharger tout le truc sur fultonread.com.

This is an EP, the third by Texas powerpop band Fulton Read (they also have one full-length). Intelligent and entertaining indie pop/rock supported by top musicianship, lots behind-the-scenes sophistication (the bass playing, among other details), and catchy melodies. Now, most of my listening time is spent in music realms many would describe as bizarre, but I can still get a huge kick out of a good song, as long as it avoids clichés and the diktats of the market. Fulton Read fulfills all requirements. They remind me of Toronto’s Big Ass Truck, somehow. I mean, there’s indie pop (the predictable, complacent kind) and indie pop (the bold, exciting kind). Synchronize clearly belongs to the second category, along with all the other releases by this fine band, although this new three-track EP tops everything they previously recorded. Now, are you ready for the clincher? Fulton Read are GIVING SYNCHRONIZE AWAY. Free to download, my friends, as part of a major alternative advertisement campaign. Download the whole thing at fultonread.com.

Et pour le reste aujourd’hui, réécoute de Slow Six et Balmorhea, en prévision du Délire musical de ce soir...

For the rest, I’m listening again to Slow Six and Balmorhea, in preparation for tonight Delire Musical show…

2010-02-01: Noah Creshevsky, Cédric Leroy, Tabula Smaragdina, VIoleta de Outono

Journal d'écoute / Listening Diary

2010-02-01

NOAH CRESHEVSKY / The Twilight of the Gods (Tzadik - merci à/thanks to Pogus)

Évidemment, il FALLAIT que je reçoive ce disque APRÈS avoir consacré une heure de Délire actuel sur l’échantillonnage - il en aurait été la vedette! Creshevsky est un compositeur électroacoustique qui travaille par échantillonnage. Il qualifie sa musique d’hyperréaliste, terme auquel je substitue parfois celui de maximaliste (comme dans: “Merzbow est un compositeur maximaliste”). C’est que, chez Creshevsky, tout est hyperactif, volubile et voué à saturer l’ouïe. La meilleure comparaison penche vers le duo Furt, même si ces derniers ont une approche plus axée vers l’improvisation, alors que la musique de Creshevsky donne l’impression d’être ultra-méticuleuse. Cela dit, j’aime beaucoup ce disque, qui réunit sur des œuvres très récentes (trois sur huit sont antérieures à 2008). “Götterdämmerung” mettant en vedette le groupe The Klez Dispensers est merveilleusement agréable, avec un fort côté John Oswald à son plus rigolo. Dans un registre plus sérieux et dense, “La Belle Dame sans merci” est très réussie. Des deux ou trois disques de Creshevsky à être parvenus à mes oreilles, celui-ci est le plus convaincant et le plus accessible. Chaudement recommandé.

Of COURSE, I just HAD to listen to this CD AFTER devoting a one-hour segment to sampling on my radio show Delire Actuel - it would have stolen the show! Creshevsky is an electroacoustic composer working with sampling. He calls his work “hyperrealistic music”, but I would use the word “maximalist” (as in “Merzbow is a maximalist composer”). Everything’s hyperactive, talkative and leading to sensory overload in Creshevsky’s music. The best comparison lies in the duo Furt, although Furt’s approach derives from free improvisation, whereas Creshevsky’s music looks ultra-carefully composed. That said, I really like this record. It features mostly recent works (only three out of eight are prior to 2008). “Götterdämmerung” features the group The Klez Dispensers - marvelous, with a strong John Oswald-like whimsicality. In a more serious range, “La Belle Dame sans merci” is striking. Of the two or three Creshevky CDs I have heard, this one is the most convincing and accessible. Warmly recommended.

CÉDRIC LEROY / Eologie (Dreaming/Musea)

Sénégal d’origine, Cédric Leroy est, clairement, émule de Jean-Michel Jarre. L’influence du grand électronicien est palpable partout (mélodisme, boucles rythmiques, progressions, grandiosité) dans Eologie, sauf, malheureusement, au chapitre de la production. Musicalement, c’est une musique électronique agréable, conviviale, chaude même. Mais l’album échoue sur deux points qui peuvent sembler mineurs mais qui, dans mon cas, ruinent mon expérience d’écoute. D’abord, l’album est mastérisé très fort, inutilement. Surtout, chacune des treize pièces se termine TRÈS abruptement: absence totale d’accord tenu, de réverbération, de quoi que ce soit. Chaque fois, j’ai l’impression qu’on a appuyé sur “pause” à mon insu. C’est énervant au possible et ça traduit une ignorance des conventions d’écoute ou un je-m’en-foutisme impardonnable.

Born in Senegal, Cédric Leroy is clearly a pupil of Jean-Michel Harre. The great electronic artist’s influence can be felt in every aspect of Eologie (melodism, beat loops, progressions, pompousness) except, sadly, its production values. Musically, this is enjoyable electronic music, friendly, warm even. But the album fails on two counts that may seem unimportant but severely marred my listening experience. First, the album is mastered really loud, and unnecessarily so. But most of all, each one of the thirteen tracks ends VERY abruptly: total lack of sustain or reverb at the end. Thirteen times, I have felt like someone had hit the pause button. It’s very aggravating and shows either a disturbing lack of understanding of music production conventions, or an unforgivable form of carelessness.

TABULA SMARAGDINA / A Szavakon Túl (Beyond Words) (Musea)

Un très beau disque de rock progressif venu de Hongrie. Tabula Smaragdina est la créature d’Akos Bogáti-Bokor (du groupe Yesterdays). Une forte influence Flower Kings, mais aussi des éléments hongrois (After Crying et Solaris, dans certaines chansons), ainsi que du Genesis et du Yes. Des voix solides (en hongrois), de très beaux développements mélodiques, une écriture complexe mais pas chargée, un joli sens de l’humour à certains endroits. Et une production impeccable. Vraiment, ce disque me surprend et j’y ai pris goût dès la première chanson. Les amateurs de rock progressif symphonique un peu vieux genre ont de quoi s’amouracher de ce disque. Bravo! [CI-dessous: Quelques extraits du disque sur la page MySpace du groupe.]

A beautiful album of progressive rock from Hungary. Tabula Smaragdina is the creature of Yesterdays’s Akos Bogáti-Bokor. Strong influence from The Flower Kings, elements of Hungarian prog (After Crying, Solaris), plus ingredients of Yes and Genesis. Strong vocals (in Hungarian), very pretty melodic developments, complex though not leaded songwriting, a keen sense of humour in some places. And an impeccable production. Trylu, this CD has taken me by surprise and I fell for it from the first track. Fans of vintage symphonic progressive rock have all the right reasons to fall head over heels over that one. Bravo! [Below: Listen to a few clips from the album on the group’s MySpace.]

http://www.myspace.com/smaragdina

VIOLETA DE OUTONO / 7 (Voiceprint Brazil/Rock Symphony)

Paru en 2007, voici un très bon disque de Violeta de Outono qui, à cette date, comptait déjà 20 ans d’existence. L’influence de Gong est presque entièrement disparue à a surface et intégrée profondément dans le noyau du groupe (elle ressort à l’occasion, comme dans le longue “Fronteira”). En fait, bien que 7 demeure dans le créneau de la pop-rock psychédélique, on détecte un fort penchant pour le son de Canterbury, explicite dans “Caravana” (oui, c’est un hommage au groupe Caravan), plus subtilement ailleurs. Peu importe la tournure du jour, l’écriture demeure sensible et les solos de guitare bien dosés. La voix de Fabio Golfetti semble plus frêle et aérienne ici, ce qui donne à ce disque un air plus léger, croisement entre Caravan, Il Volo et le Gong de la première époque.

Released in 2007. This one is a very good Violeta de Outono vintage, especially considering that the band was already 20 years old by then. The Gong influence has faded as it is now integrated deep inside the band’s core (it occasionally comes out, as on “Fronteira”). In fact, although 7 still fits the psychedelic pop/rock genre, there’s a strong leaning toward the Canterbury sound too, obvious in “Caravana” (yes, it’s a tribute to the band Caravan), more subtle elsewhere. No matter the style of the day, the songwriting remains sensitive and the guitar solos are sparse and elegant. Fabio Golfetti’s vocals sound more fragile and aerial on this record, which gives the proceeding a lighter feel, like a cross between Caravan, Il Volo, and early Gong.

2010-01-29: Myra Melford, Stefan Aeby Trio, The Deadalus Spirit Orchestra, VIoleta de Outono

Journal d'écoute / Listening Diary

2010-01-29

MYRA MELFORD’S BE BREAD / The Whole Tree Gone (Firehouse 12 - merci à/thanks to improvised communications)

Un très beau disque de la pianiste new-yorkaise Myra Melford en sextuor (Cuong Vu, Ben Goldberg, Brandon Ross, Stomu Takeishi, Matt Wilson). C’est aussi le disque le plus jazz et le plus accessible qu’a publié Firehouse 12 à ce jour. Melford écrit des pièces agiles, aux mélodies souples. Et si ses solos sortent des sentiers battus, c’est strictement d’un point de vue harmonique. Le rythme, le groove sont toujours présents. Dans la plage des musiques jazz que j’écoute, je qualifierais The Whole Tree Gone de disque léger. Cela dit, il est très agréable. Ça faisait longtemps que je n’avais pas écouté Ben Goldberg, un clarinettiste au ton splendide. Le guitariste Brandon Ross vaut aussi le détour. Mais, évidemment, c’est le jeu vif de Melford qui vole la vedette.

A very nice record by New York pianist Myra Melford and her sextet (Cuong Vu, Ben Goldberg, Brandon Ross, Stomu Takeishi, Matt Wilson). It’s also the jazziest and most accessible record released by Firehouse 12 to this date. Melford writes agile pieces fitted with graceful melodies. And though her solos stray away from beaten paths, they do so strictly on harmonic level, for the beat, the groove, remains constant. In the range of jazz music I listen to, I’d qualify The Whole Tree Gone as light jazz. Very enjoyable. And I hadn’t heard clarinetist Ben Goldberg in a while - he’s got such as superb tone. Guitarist Brandon Ross is also a major attraction. But of course, Melford and her vivacious playing steal the show.

STEFAN AEBY TRIO / Are You…? (Unit Records)

Un trio suisse, piano/basse/batterie. Une écriture mélodique, souple, caressante. Une exécution un tantinet froide (une constante dans le jazz moderne suisse). Joli mais peu marquant. Par contre, la pochette est splendide et mérite une mention spéciale.

A Swiss trio, piano/bass/drums. Melodic, supple, caressing writing. A tad cold in the execution (something of a constant in modern Swiss jazz). Pretty but rather unremarable. However, the cover artwork is splendid and deserves a special mention.

THE DAEDALUS SPIRIT ORCHESTRA / Ampulla Magnifying (Vocation Records)

The Daedalus Spirit Orchestra est un groupe français qui chevauche le rock progressif métallisant et l’avant-prog. En fait, j’entends dans Ampulla Magnifying autant de 5UU’s que d’OSI. Mélange étrange? Pas tant que ça. Pas lorsqu’il s’appuie sur une écriture musicale intelligente et bien assumée. Le chanteur Eric Lorcey (aussi guitariste) chante dans un anglais parfois laborieux, mais compréhensible. Ses textes sentent malheureusement la traduction mot-à-mot, au point où on souhaiterait qu’il les chante en français, pour leur donner plus de crédibilité (hé Eric, je suis traducteur, je pourrais peut-être t’arranger ça). Outre ce point particulier, Ampulla Magnifying est un disque d’une solidité surprenante, qui offre une courbe d’écoute serrée, à l’intérêt soutenu. Je vais certainement y revenir quelques fois pour mieux l’apprivoiser. J’y trouve un son original et qui m’intrigue. [La page MySpace du groupe (lien ci-dessus) offre plusieurs pièces en écoute.]

The Daedalus Spirit Orchestra is a French band sitting on the fence between metal-leaning progressive rock and avant-prog. In fact, I hear in Ampulla Magnifying equal parts 5UU’s and OSI. A strange blend? Not that much, especially when it relies on intelligent songwriting. Singer Eric Lorcey (also the band’s guitarist) sings in English - his pronunciation can be labored, but he is intelligible. Sadly, his lyrics have a distinct word-by-word translation feel that robs them of some of the credibility they could have (hé, Eric, I’m a translator by trade, maybe I could help!). Beside that, Ampulla Magnifying is a surprisingly strong record with a tightly-kept listening curve that sustains interest. I’ll surely get back to this one a few times to get to know it better. There’s a unique sound here, and it intrigues me. [The band’s MySpace (link above) lets you listen to several tracks from the album.]

VIOLETA DE OUTONO / Live at Rio ArtRock Festival ’97 (Rock Symphony)

Le titre dit tout: un album en concert, en version quatuor (avec Fabio Ribeiro aux claviers). Une bonne captation, une sélection touche-à-tout qui comprend des reprises de “Tomorrow Never Knows” et de “Astronomy Domine”. Je m’attendais à un peu plus d’énergie de ce disque, mais tout de même. Bon point de départ pour qui s’intéresse à ce groupe brésilien de rock psychédélique, quoi que je recommanderais plutôt de commencer par le meilleur, soit leur second disque Em Toda Parte.

Title says it all. Here Violeta de Outono is featured as a quartet (with Fabio Ribeiro on keys). Very good recording, a track list that covers a bit of everything, including covers of “Tomorrow Never Knows” and “Astronomy Domine.” I was expecting a little more energy from the album, but it’s still satisfying. A good starting point for whoever interested in this Brazilian psychedelic rock band, although I would recommend starting with their best studio album, i.e. their second LP Em Toda Parte.

2010-01-28: Lauzier/Martel, Côté/Dontigny, Merzbow, Masal, Violeta de Outono, Sun Ra

Journal d'écoute/Listening Diary

2010-01-28

PHILIPPE LAUZIER & PIERRE-YVES MARTEL / Sainct Laurens (&records)

Philippe Lauzier (saxo) et Pierre-Yves Martel (viole de gambe) compte parmi les plus actives recrues recrues de la décennie 2000 chez Ambiances Magnétiques. Ce premier disque en duo (chez &records, l’étiquette de Michel F. Côté) est tout bonnement sublime. Une série de pièces circonspectes, où chaque son est étudié mais coule de source. Un voyage à l’intérieur des instruments impliqués (ceux ci-haut, plus clarinette basse, tubes, mélodica, petits haut-parleurs, radios, micros contacts), mais surtout à l’intérieur d’une relation musicale profonde entre les deux protagonistes. On sent clairement que ces deux-là ont fait et continuent de faire des découvertes ensemble. Une écoute exigeante mais un très beau disque. [Ci-dessous: Un extrait de “Brazos”. Deux autes extraits de l’album dans la “radio” d’actuellecd.com.]

Philippe Lauzier (sax) and Pierre-Yves Martel (viola da gamba) are two of the most active recrutes of late in Ambiances Magnétiques’ fold. This, their first duo CD (out on &records, Michel F. Côté’s imprint) is downright splendid. A series of careful pieces in which each sound is weighted yet flows naturally. A journey inside the instruments involved (those abovementioned, plus bass clarinet, tubes, melodica, small speakers, radios, and contact mikes), but foremost inside a deep-running musical relationship between the two protagonists. You can clearly feel how these two have been and are still making discoveries together. A demanding listen but a beautiful album. [Below: An excerpt: “Brazos.” Two more audio clips in actuellecd.com’s “radio.”]

http://www.actuellecd.com/fr/audio/?poste=cat_et_06&prog=5293

MICHEL F. CÔTÉ & A_DONTIGNY / La Notte Fa (&records)

Ouf, un disque joyeusement sale, une collaboration entre le batteur-bruiteur Michel F. Côté et l’artiste échantillonneur a_dontigny (Aimé Dontigny de morceaux_de_machines). Explosions de batterie, pièces aux rythmiques claudicantes, dénaturation de citations sonores impromptues, jeux irrévérencieux. C’est entraînant, intriguant, ça se voudrait peut-être repoussant mais ça ne l’est pas du tout. Beau travail sonore, belle énergie, beau sens de garoché mesuré. Bravo! Et tout à fait dans la continuité des derniers projets sur disque de Côté, soit (juste) Claudette et le duo Vulgarités avec Isaiah Ceccarelli.

Wow, this is one fun, dirty collaboration between drummer/noisician Michel F. Côté and sampling artist a_dontigny (Aimé Dontigny of morceaux_de_machines). Explosions of drums, limping pieces, decontextualized audio quotes, irreverential games. It’s driving, intriguing, it’s trying to be ugly but it ain’t! Nice sonic work, nice energy, nice way to sound sloppy yet under control. Kudos! And La Notte Fa is totally in line with Côté’s latest recording projects, namely (juste) Claudette and Vulgarités, his duo with Isaiah Ceccarelli.

MERZBOW / Bariken (Blossoming Noise)

Après le Côté/Dontigny, Merzbow semblait un choix logique et je ne me suis pas trompé. J’ai été blasé de Merzbow pendant un temps, mais dernièrement, j’ai repris goût à l’art brutal mais hautement sophistiqué du japanoisician en chef - et, honnêtement, je ne saurais dire si c’est à cause de lui ou de moi. Qu’à cela ne tienne, j’ai beaucoup aimé cette première écoute de Bariken, paru à la fin de 2009 chez Blossoming Noise. Cinq pièces, les quatre premières de longueur moyenne (9 à 12 minutes), la dernière d’une demi-heure. Un bruitisme intense, punitif, mais toujours ce sentiment de toucher à une facette d’éternité au centre de ce glorieux foutoir sonore.

After the Côté/Dontigny CD, Merzbow seemed like a logical next step, and it proved the right choice. I was blasé on Merzbow for a while, but lately I came back to the master japanoisician’s unique brand of highly sophisticated brutal art, and honestly, I couldn’t say if he’s better now or if I’m just in a better frame of mind. Nevertheless, I seriously enjoyed my first listen of Bariken, an album released on Blossoming Noise in late 2009. Five tracks, the first four are of medium duration (8-12 minutes), the last one is a half hour long. Intense, punitive noise, though there’s always that feeling of touching on some facet of eternity in the midst of this glorious free-for-all.

MASAL / Galgal (Musea)

Belle surprise. Masal est un groupe français d’allégence zeuhl/avant-prog, avec un premier album en 1982 (paru sous le nom de son leader Jean-Paul Prat) que je n’ai pas entendu. Près de 30 ans plus tard survient cet opus, un disque joliment bien tourné, propulsé par un piano qui rappelle plus Present que Magma. Moins martial que Magma, mois angoissant que Present, moins grandiloquant que l’un et l’autre aussi. L’écriture est un peu répétitive et ça manque peut-être de mordant, de personnalité dans l’exécution, mais c’est un bel effort et un disque que je réécouterai quelques fois avec plaisir.

A nicee surprise. Masal is a French band of zeuhl/avant-prog persuasion who released a first album in 1982 (under the name of its leader Jean-Paul Prat), which I haven’t heard. Now, almost 30 years later, comes this second opus, a well-rounded record driven by a piano that’s more reminiscent of Present than Magma. Less martial than Magma, less troubling than Present, less grand than either of them also. The writing is a bit repetitive, and it the performance lacks some bite and character, but it’s a fine effort and an album I’ll come back to a few times for sure.

VIOLETA DE OUTONO / Ilhas (Voiceprint Brazil)

[Pour ma chronique sur les deux premiers disques de Violeta de Outono, voir le journal d’écoute du 2010-01-27.] Un saut dans le temps jusqu’en 2003, avec Ilhas. Le batteur a changé (c’est Gregor Izidro maintenant), un claviériste s’ajoute sur une base d’invité (Fabio Ribeiro). Ilhas est un disque plus pop, quoi que l’influence de Gong est bien présente (une chanson sonne étrangement comme “Tried So Hard”). Il n’y a rien de désagréable sur ce disque, et j’aime décidemment la voix de Golfetti, mais Ilhas manque de signes distinctifs pour se démarquer. Moyen.

[See my reviews of Violeta de Outono’s first two albums in the listening diary entry of 2010-01-27.] Moving up to 2003 with Ilhas. The drummer has changed (now it’s Gregor Izidro), a keyboardist is on board as a guest (Fabio Ribeiro). Ilhas is more pop, although the Gong influence is still there (one song sounds suspiciously similar to “Tried So Hard”). There’s nothing irritating on this record, and I definitely like Golfetti’s singing, but Ilhas lacks distinctive traits. An average record.

SUN RA / Nuits de la Fondation Maeght, Vols. 1 & 2 (Universe)

Simplement pour le plaisir, j’écoute ce superbe album (bon, deux disques vendus séparément, en fait, mais tirés du même concert) de 1970. C’est la quintessence de Sun Ra: tout y est: les chansons jazz (“Enlightenment”), les impros extrêmes (“Sky”), les explorations claviers-percussions (“The Cosmic Explorer”) - bref, le facile et l’exigeant, l’expérimental et le ritualistique, le festif et l’agressif, avec, en plus, une bonne qualité sonore (ce qui ne s’applique pas à tous les Sun Ra, loin de là). Ce n’est un “best-of” par contre, mais pour qui souhaite goûter à ce grand jazzman multiforme dans toute sa gloire, avec tout son ensemble, voici l’album par excellence. Si vous détestez celui-ci, n’essayez plus.

Just for the fun of it, I dusted down this splendid album (well, two albums, sold separately, but sourced from the same concert) from 1970. This is quintessential Sun Ra. It has everything: jazz songs (“Enlightenment”), extreme free improv (“Sky”), synth/percussion explorations (“The Cosmic Explorer”) - the accessible and the demanding, the experimental and the ritualistic, the festive and the gnarly, plus good sound quality to boot. This ain’t a “best-of” album, but this is THE set to get for anyone wishing to have a taste of this great multifacetted jazzman, accompanied by his full band. If you hate this one, don’t dig deeper into Sun Ra.

2010-01-27: Human Skab, Licht/Connors, Eric Minen, Lost World Band, Violeta de Outono

Journal d'écoute / Listening Diary

2010-01-27

HUMAN SKAB / Thunder Hips and Saddle Bags (Family Vineyard)

Je ne sais trop quoi penser. Voici l’histoire: ce disque réédite une cassette parue en 1986, enregistrée par un garçon de dix ans. Il chante des textes étranges (mélange de puérilité enfantine et de flashs profonds), crie et tape sur tout ce qu’il trouve, mobilier ou instruments. Ça semble réel (c’est-à-dire qu’on voudrait croire à l’arnaque mais que rien ne porte à croire que ça en soit une). C’est de l’outsider art, de l’art brut, la créativité débordante d’un enfant “laché lousse”. Enregistré avec les moyens du bord. Est-ce que c’est bon? Non, absolument pas. Est-ce que ça a de la valeur? J’imagine, pour qui s’intéresse à l’outsider art. Est-ce plus qu’une bizarrerie? Pas dans mon livre. En fait, je n’envisage pas réécouter Thunder Hips and Saddle Bags.

I’m at a loss for words. Here’s the story: this CD is a reissue of a cassette first released in 1986, recorded by a ten-year-old boy. He’s singing odd lyrics (a mix of childishness and deep flashes), screaming, and hitting anything in sight, furniture or instruments. It sounds real (i.e. you’d think it’s a con, but nothing actually suggests it is). It’s outsider art, art brut, the overspilling creativity of a child let loose. Recorded with lo-fi home-taping means. Is it any good? Not at all. Is it of any value? I guess so, for folks interested in outside art. Is it more than a novelty? Not in my book. In fact, I can’t picture myself listening again to Thunder Hips and Saddle Bags.

ALAN LICHT & LOREN CONNORS / Into the Night Sky (Family Vineyard)

Into the Night Sky est le sixième album d’Alan Licht et Loren Connors, mais quatre de ceux-ci sont indisponibles en ce moment. Ce disque consiste en deux improvisations de 24 minutes, enregistrées en concert, à dix ans d’intervale (1996 et 2006). Que dire: c’est sublime. Les univers de ces deux guitaristes électriques s’intersectent parfaitement. Cette musique est plus bruitiste que The Lost Mariner (chroniqué la semaine dernière), ancrée dans l’univers de la guitare électrique, mais ça demeure un blues minimaliste, déconstruit, mélancolique et béatifique. “Map of Dusk” est particulièrement réussie. [Ci-dessous: Un extrait de “Map of Dusk”.]

Into the Night Sky is the sixth collaboration between Alan Licht and Loren Connors (though four of them are unavailable at this time). This CD features two 24-minute improvisations recorded live ten years apart (1996 and 2006). What can I say, it’s sublime. The soundworlds of these two guitarists perfectly intersect. The music is noisier than on The Lost Mariner (reviewed last week), rooted in the universe of the electric guitar, but it remains minimalistic blues, deconstructed, melancholy, and heavenly. “Map of Dusk” is particularly successful. [Below: An excerpt from “Map of Dusk.”]

http://mp3.fvrec.com/fv75_mapofdusk-excerpt.mp3

ERIC MINEN / ElectroMoods (Dreaming/Musea)

Dreaming est le subsidiaire “new age” de Musea, mais les disques d’Eric Minen font plutôt dans la musique instrumentale, point. Quelque part entre le rock (beaucoup de guitares aériennes) et l’électro. De jolies pièces aux ambiences à peine trouble, de bonnes mélodies, des transitions soignées. Ça me fait penser un peu à Fonya, que je n’ai pas entendu depuis des lustres. Rien de très marquant sur ElectroMoods, mais voilà un disque qui tisse une ambiance agréable, sans prétention.

Dreaming is Musea’s “new age” imprint, but Eric Minen’s records are better described as instrumental music, period. Somewhere between rock (lots of aerial guitar lines) and electronica. Pretty tracks full of near-peaceful moods, sound melodies, sophisticated transitions. I’m reminded of Fonya (whom I haven’t heard in ages). Nothing remarkable on ElectroMoods, but this record weaves an enjoyable ambience in an unpretentious way.

LOST WORLD BAND / Sound Source (Musea)

Lost World est un groupe russe. J’ai entendu leur album précédent chez Musea, Awakening the Elements, et Sound Source lui est grandement supérieur. Un rock progressif instrumental, axé sur le mélodisme et non la virtuosité, avec un guitare électrique plutôt métal, violon, flûte, claviers et batterie. Le disque est généreux (un peu trop, il aurait pu être réduit de 10 minutes), avec 16 pièces, la plupart de 3 à 5 minutes. Beau travail de la part des instrumentistes, solides arrangements. Malheureusement, la production est déficiente: tout se fait la pédale au plancher, avec peu de nuances. Tout de même un bon disque, bien écrit et inspiré.

Lost World is a Russian band. I’ve heard their previous CD for Musea, Awakening the Elements, and Sound Source is a much better proposition. Instrumental progressive rock with a focus on melody instead of chops, with a rather metal-sounding electric guitar, violin, flute, keyboards, and drums. It’s a generous album (a little too much, actually; it could’ve have shorten by 10 minutes), with 16 tracks, most between 3 and 5 minutes long. Nice work from all musicians, strong arrangements. Sadly, the production is lacking, everything happening at full volume, with little nuances. It’s still a good record, well written and inspired.

VIOLETA DE OUTONO / Violeta de Outono (Voiceprint Brazil)

À la suite de ma critique du DVD hommage à Syd Barret de Violeta de Outono, ce groupe de rock progressif brésilien m’a contacté et envoyé leur catalogue. Je commence donc ici à explorer leur discographie. Paru à l’origine en 1987, réédité par Voiceprint Brazil en 2007, le premier disque du groupe, éponyme, promet déjà de grandes choses. Violeta de Outono est un trio (Fabio Golfetti à la guitare et au chant, Angelo Pastorello à la basse, Claudio Souza à la batterie) qui propose des chansons punchées, plutôt courtes (3 à 6 minutes) et bien tournées. Très accessible, sans excès solistiques ou bruitistes. Violeta de Outono est un bon disque de pop-rock psychédélique, à l’accessibilité comparable au Magic Mushroom Band (pour rester dans l’époque). Pas un son encore pleinement formé, mais prometteur. Et la facture sonore de l’album ne fait pas du tout mi-80. La réédition compte quatre chansons en extra, dont une reprise convaincante de “2000 Light Years from Home” des Rolling Stones.

Following my short review of Violeta de Outono’s Syd Barrett tribute DVD, the Brazilian psychedelic rock group contacted me and sent me their back catalog. So here I start exploring that pile of records. First released in 1987 and reissued by Voiceprint Brazil in 2007, the band’s eponymous debut already promises grand things to come. Violeta de Outono is a trio (Fabio Golfetti on guitar and vocals, Angelo Pastorello on bass, Claudio Souza on drums) with short, punchy, well-written songs (3-6 minutes). Very accessible, no excessive solos or noise. Violeta de Outono is a good psychedelic pop-rock record, as accessible as the Magic Mushroom Band (to stick to the same era). It’s not yet an entirely-formed sound, but it’s promising. And you wouldn’t guess it was recorded in the mid-‘80s.

VIOLETA DE OUTONO / Em Toda Parte (Voiceprint Brazil)

Ce second disque, paru en 1989, est nettement meilleur. Le groupe se distance de l’approche pop-rock psychédélique du Magic Mushroom Band pour assumer ses racines dans Gong: claviers spatiaux, guitare glissando, un peu de sitar et de mandoline. Des chansons plus lysergiques mais toujours accessibles, du vrai beau travail. Je vais réécouter ce disque maintes fois, avec plaisir. En termes de rock psychédélique des années 80, il se classe facilement parmi les meilleurs (et, encore une fois, aucune trace d’un son “années 80”). Chaudement recommandé. [Ci-dessous: Ce lien vous mènera à quelques extraits de ce disque et des autres albums de Violeta de Outono.]

Released in 1989, this second album is much better. The band steps away from the psycn pop-rock sound of the Magic Mushroom Band and embraces its Gong roots: spacy synths, glissando guitar, a touch of sitar and mandolin. Songs are more lysergic but just as accessible - quality work. I’ll be listening to this one again time and time again. In terms of ‘80s psychedelic rock, this one easily ranks among the best ones (and again, no hint of an ‘80s sound). Highly recommended. [Below: This album will take you to a page with audio samples from this and the other albums by Violeta de Outono.]

http://www.violetadeoutono.com/audio_violeta.php